Com’è difficile scrivere sulla celluloide le storie del Re

Il dieci di agosto è uscito nelle sale il film «La Torre Nera», tratto dall’omonimo libro di Stephen King.

 

 

Il libro:

O piuttosto la saga (capirete meglio questa precisazione quando si parlerà del film) fantasy-horror-western-science fiction. Una serie di romanzi (adattata poi anche in fumetto dalla Marvel) che in qualche modo ha occupato il Re del Maine per trent’anni, dal 1982 al 2012.

Ecco qui un riassunto delle uscite:

  1. L’ultimo cavaliere (1982) (The Dark Tower I: The Gunslinger)
  2. La chiamata dei Tre (1987) (The Dark Tower II: The Drawing of the Three)
  3. Terre desolate (1991) (The Dark Tower III: The Waste Lands)
  4. La sfera del buio (1997) (The Dark Tower IV: Wizard and Glass)
  5. I lupi del Calla (2003) (The Dark Tower V: Wolves of the Calla)
  6. La canzone di Susannah (2004) (The Dark Tower VI: Song of Susannah)
  7. La torre nera (2004) (The Dark Tower VII: The Dark Tower)
  8. La leggenda del vento (2012) (The Dark Tower: The Wind Through the Keyhole)

Il giovane Jake Chambers e il leggendario “pistolero” (appellativo inteso in questo ambito più come “cavaliere errante” di medievale memoria, che non nella normale accezione del termine) Roland Deschain combattono, insieme ai loro pard, le oscure forze del male, capitanate dal tenebroso Re Rosso. Una lotta in difesa dell’integrità della Torre Nera, simbolo dell’armonia dell’Universo, pervicacemente insidiata, in tutti i modi, dall’esercito dei cattivi, in uno scenario bidimensionale (ma a volte anche multi-dimensionale), diviso tra una New York che non è esattamente la New York che conosciamo e le terre desolate del Medio-Mondo, popolate di mostri, di mutanti, di veggenti e di minacciosi reperti di una remota era magico-tecnologica.

Il film:

Il progetto di trarre un film dalla corposa saga risale, tanto per rimanere in tema epico, allo scorso millennio.

Prima come serie televisiva (un episodio per libro), poi, nel 2010, attraverso l’acquisto dei diritti da parte della Universal, che affidò l’impresa a un team di eccezione che vantava innumerevoli successi di botteghino, composto dallo sceneggiatore Akiva Goldsman, dal regista Ron Howard e dal produttore Brian Grazer.

Due anni di elucubrazioni, al temine dei quali, però, arriva un forfait.

Poco male, perché nel 2015 subentrano i danesi, ovverosia il regista Nikolaj Arcel e lo sceneggiatore Ander Thomas Jensen, su incarico della Sony Pictures. Sotto lo sguardo attento dello stesso Stephen King, la nave finalmente va, con la produzione Grazer, Howard e Goldsman.

La Torre Nera diventa un film, che arriva in Italia il 10 agosto 2017.

Le mie note:

In migliaia di pagine, scritte da un Autore immaginifico e ispirato come e più di sempre qual è Stephen King, c’è davvero tanta roba su cui lavorare.

Forse “troppa” roba, in quantità tale da spaventare con la complessità dell’impresa, i pur coraggiosi cineasti coinvolti nell’impresa. L’impressione che ne trae lo spettatore che abbia letto i libri di Stephen King è che ci si sia ridotti, alla fine, a ricavare un sunto della saga, un po’ come gli estratti del Reader’s Digest e/o i Bignami tanto cari agli studenti del dopoguerra. Si è mescolato lo scatolone e poi, attraverso un ideale imbuto, riversato nella pellicola ciò che era venuto a galla.Dopo un buon inizio la narrazione si ripiega su se stessa, diventando farraginosa e tradendo, in diverse occasioni, lo spirito dell’opera originale.

Si avverte distintamente la preoccupazione frettolosa di concludere il tutto nei canonici novanta minuti che rappresentano la misura standard per film di questo tipo.

Insomma, se è presente l’abilità tecnica e la perfezione fotografica che caratterizza i prodotti made in US, ciò che manca è il coinvolgimento emotivo, sia sullo schermo che, purtroppo, in platea.

Resto in attesa di un sequel, peraltro di difficile ideazione e realizzazione, dopo aver messo in circolazione questa specie di “frullato” di (belle) storie.

Non perché sia rimasto soddisfatto di questa prima uscita ma perché, come molti fedeli lettori di King, spero che si possa recuperare qualcosa di buono.

Titolo: La Torre Nera

Titolo originale: The Dark Tower (USA 2017)

Genere: Fantasy

Anno: 2017

Regia:  Nikolaj Arcel

Cast: Idris Elba, Katheryn Winnick, Matthew Mc Conaughey, Claudia Kim, Jackie Earle Haley

Durata 95 min.

 

 

 

22 Agosto 2017 | by | Commenti disabilitati su Com’è difficile scrivere sulla celluloide le storie del Re
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: Akiva Goldsman, Ander Thomas Jensen, Brian Grazer, Claudia Kim, I lupi del Calla, Idris Elba, Jackie Earle Haley, Jake Chambers, Katheryn Winnick, L'ultimo cavaliere, La canzone di Susannah, La chiamata dei Tre, La leggenda del vento, La sfera del buio, La Torre Nera, Matthew McConaughey, Medio-mondo, Nikolaj Arcel, pistolero, Roland di Gilead, Ron Howard, Stephen King, Terre desolate. The Dark Tower III: The Waste Lands, The Dark Tower, The Dark Tower I: The Gunslinger, The Dark Tower II: The Drawing of the Three, The Dark Tower IV: Wizard and Glass, The Dark Tower V: Wolves of the Calla, The Dark Tower VI: Song of Susannah, The Dark Tower VII: The Dark Tower, e The Dark Tower: The Wind Through the Keyhole.

Monolith: dalle tavole alle favole (nere)

    

IL FUMETTO

«Monolith» è una graphic novel scritta da Roberto Recchioni (curatore di Dylan Dog) e Mauro Uzzeo  per le matite di Lorenzo Ceccotti (alias LRNZ), “apparsa” a Lucca Comics & Games 2016, in fumetteria dallo scorso gennaio (96 pagine – prezzo 16 €) per le stampe di Sergio Bonelli Editore.

ISSN: 9788869611698

Trama:

Sandra, popstar che ha sacrificato la carriera artistica alla famiglia (e in particolare al figlioletto David), riceve in regalo dal marito Carl una macchina di nuovissima generazione, che ha nella sofisticata informatica in dotazione, nella robustezza a prova di qualsiasi tipo di urto (e anche di proiettile) e nella sicurezza, le prerogative che ne giustificano un prezzo probabilmente esorbitante.

Una volta in viaggio verso una casetta di campagna dove trascorrere un periodo di relax insieme al piccolo David, però, Sandra percepisce in uno strano e reticente atteggiamento di suo marito, seri indizi di un tradimento in corso. Mossa dalla gelosia decide così di prolungare di diverse centinaia di chilometri il viaggio, ignorando, però il terribile e drammatico pericolo in agguato nel deserto che si trova a dover attraversare

Per una serie di contrattempi, infatti, mentre è fuori dall’automobile, Monolith chiude gli sportelli intrappolando il bambino all’interno di quella che, ben presto, si rivelerà una fortezza inespugnabile.

Arriva l’alba e, non appena il sole si alza sull’orizzonte la temperatura comincia implacabilmente a salire, raggiungendo presto i 40 gradi.

E non c’è nessuno, nel raggio di centinaia di miglia, che possa aiutarla in qualche modo…

Per ammissione dello stesso Recchioni, lo spunto iniziale deriva da quella serie di dolorosi incidenti che hanno visto negli ultimi anni diversi genitori “dimenticare” chiusi in auto i propri figli, a volte con tragiche conseguenze.

Di luci e ombre del plot si tratterà più sotto, in occasione della recensione del film che ne è stato tratto; per il momento basti sapere che le splendide illustrazioni, opera di un particolarmente ispirato LRNZ, meriterebbero da sole il pur non indifferente prezzo al quale il libro è messo in vendita (ma questo è un problema che riguarda un po’ tutte le pubblicazioni di questa tipologia di narrazione, in altri Paesi -forse- ancora più che in Italia).

 

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IL FILM

Intanto si tratta di una pellicola he sicuramente sarà ricordata, trattandosi del primo tentativo italiano di costruzione integrata comic-cine. Proprio qui, però, stanno potenzialità e limiti del film o, in modo più generale, di operazioni di questo genere.

Due gli elementi peculiari e critici:

  1. trarre un film da una storia a fumetti, non è lo stesso che farlo da un libro; trattandosi di due mezzi di espressione artistica che agiscono essenzialmente sulla base di immagini, infatti, risulta inevitabile, nel bene e nel male, che le tavole del primo esercitino una forte influenza sulle scene del secondo, indirizzando e facilitando in un certo senso il lavoro del regista ma anche, inevitabilmente, limitandone la fantasia. Nel caso di Monolith, a mio avviso, sono riflessi decisamente positivi quelli derivati dagli straordinariamente suggestivi disegni di Lorenzo Ceccotti sulla fotografia. Scenari, atmosfere, colori e suggestioni ottiche (del deserto, principalmente), l’avveniristico design della futuristica automobile, riempiono gli occhi e la mente degli spettatori, rimanendovi impresse anche dopo la fine dello spettacolo;
  2. la ripartizione per quadri e tavole, caratteristica della narrazione fumettistica, insieme alla necessità (o l’opportunità) di inquadrare la storia in un determinato numero di pagine, inevitabilmente, tolgono alla riscrittura cinematografica quegli ampi spazi di discrezionalità che consente, invece, la trasposizione in film di un romanzo. Dunque, se ne giuadagna la “fedeltà” al testo, ne perde la personalizzazione che può mettere in campo la regia;

Tutto ciò premesso, l’esperimento “italico-bonelliano” merita attenzione e suscita curiosità per ciò che ne potrà seguire. Il prodotto finale che è venuto fuori da questa prima “fase” risulta ben confezionato e gradevole per gli spettatori. 

Brava, anzi bravissima, issima Katrina Bowden che si carica sulle spalle praticamente da sola l’intera pellicola, senza mai risparmiarsi, anche a livello di impegno fisico. Ottima, ma questo lo abbiamo già detto, la scelta degli scenari naturali e la cromatica che impreziosisce l’attenta fotografia.

 

Un’ultina osservazione.

Probabilmente a seguito del “punto 2” sopra trattato, alcune soliìuzioni narrative o risultano quanto meno improbabili e (dunque) poco credibili o, e questo è peggio, inseriscono fili narrativi che poi ci si sceglie di non riprendere o (nel peggiore dei casi) si dimentica di riprendere.

L’idea del falò nell’aeroporto in disuso innescato dalla Mamma Coraggio, tanto per fare un esempio, ha come risultato uan colonna di fumo talmente nera e gigantesca che ci si chiede come mai in un Paese iper controllato come gli States, nessuno vede.

Cadere da quaranta metri, rotolando per un intero crinale dentro una macchina e non fratturarsi neanche un mignolino? Più che la protezione di Monolith ci vorrebbe quella di un Santo, di quelli più vicini al Padreterno.

I balordi, incontrati on the road a inizio viaggio da Sandra & Pupo, scompaiono nel nulla. Stephen King, di sicuro, non ne avrebbe sprecato così il potenziale horrorifico.

E anche il sottoscritto, nel suo piccolo, in confidenza, la pensa allo stesso modo.

 

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Titolo: Monolith
Genere: Drammatico, Thriller
Data di uscita: 12 agosto 2017
Paese: Italia
Regia: Ivan Silvestrini
Cast: Katrina Bowden, Damon Dayoub, Brandon Jones, Jay Hayden, Ashley Madekwe, Katherine Kelly Lang, Nixon Hodges, Krew Hodges, Justine Wachsberger
Durata: 83 Min
Distribuzione: Vision Distribution

 Patrizio Pacioni

 

 

13 Agosto 2017 | by | Commenti disabilitati su Monolith: dalle tavole alle favole (nere)
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: Anton Checov, Ashley Madekwe, Brandon Jones, Damon Dayoub, Ivan Silvestrini, Jay Hayden, Justine Wachsberger, Katherine Kelly Lang, Katrina Bowden, Krew Hodges, Lorenzo Ceccotti, LRNZ, Lucca Comics & Games, Mauro Uzzeo, Monolith, Nixon Hodges, Roberto Recchioni, Sergio Bonelli Editore, e Vision Distribution.

Ah, se l’è bel, «Le Bal» !

Che bei tempi, quando per tentare di conquistare una ragazza, invece di un banale like si cominciava in un balera con un bel  «Signorina, mi concede questo ballo?»

Allora, erano gli anni ’50, ’60 e ’70, ci si cominciava ad accoppiare (in senso buono) per sintonia epidermica, per affinità preventiva e presunta, invece che con una scelta in un sito d’incontri che sa troppo di lista per la spesa.

Quando le ragazze, ordinatamente allineate lungo la parete lunga, il sabato pomeriggio, aspettavano di essere invitate a danzare, sedute compostamente e con le mani appoggiate sulle ginocchia.

Poi c’era il ballo, ovviamente. Ballerini che volteggiano, si agitano, ma rispettando gli spazi degli altri che danzano intorno; corpi maschili e femminili che prima si sfiorano, poi vengono a contatto, ma non troppo, solo fino a un certo punto, con la frontiera della decenza che arretra ma non scompare mai del tutto. Regole che si sovvertono all’interno di altre regole. È questa la meraviglia. La trasgressione dura solo tre minuti, o quattro, poi si torna nei ranghi, fino al prossimo disco. Eccitante e rassicurante, cosa può esserci di meglio?

Comincia così «Le Bal», versione italiana (Viola Produzioni) curata con grande professionalità e vivace fantasia da Giancarlo Fares , di un format che ha già tanti positivi riscontri ha ricevuto in Francia, Germania, America Latina e altrove.

È successo ieri sera, nell’ambito della rassegna estiva La Versiliana, con la rappresentazione all’aperto di Marina di Pietrasanta, interpreti e spettatori immersi nel verde e sotto un soffitto di stelle.

  

In una dimensione parallela, straordinariamente affine a quella reale ma infinitamente più poetica ed evocativa, per una volta almeno hanno taciuto le parole per lasciare spazio alla narrazione di straordinaria efficacia e suggestione delle note e della danza. Sì, è la musica a farla da padrona, trasformandosi per una volta, con dolce violenza, da mero sottofondo in protagonista assoluta.

E allora via! In pista!

Si parte dai confetti zuccherosi di romanticismo e buoni sentimenti (tanto dolci e consolatori quanto velenosi di caduche illusioni) degli anni dei telefoni bianchi.

Ben presto nel fox trot italianizzato delle sorelle Lescano e degli altri, però, s’inserisce il ritmo di marce più marziali, poi arriva il primo “me ne frego”, seguito da altri slogan sempre più aggressivi e militareschi; cade la maschera e si mostra, in tutta la sua mostruosità, l’arcigno volto dell’oppressione. Fino alla sconsiderata quanto brutale avventura africana, scandita dalle note di Faccetta nera e oltre, giù, a capofitto nel sanguinoso mattatoio della seconda guerra mondiale.

Partono, i soldati italiani. Le donne, rimaste sole, svestono pizzi e merletti e indossano tute, camici, grembiuli, per sostenere le famiglie mentre i mariti, i fidanzati, i padri e i figli combattono al fronte in nome del niente.

Partono i soldati, ma non tutti tornano.

La musica si fa più austera, languida, malinconica, plumbea.

Scendono i tedeschi, i barbari nazisti più feroci dei lupi, schiacciando sotto i  talloni di acciaio delle SS speranze, aspirazioni e ogni libertà, recidendo vite come fiori.

Finiscono le cose belle, ma hanno un termine anche gli incubi, per fortuna: la guerra si esaurisce in un suggestivo bombardamento finale, dai cui scoppi nascono le note di un boogie-woogie forsennato, come il respiro di un naufrago strappato alle onde.

È l’Italia del neo-realismo cinematografico e dei miti americani di Happy Days rivisitati da Celentano e Rita Pavone, il Paese meraviglioso della seicento e della lambretta, della villeggiatura, dei miti americani del “moltiplicatevi e arricchitevi”, dove nessun traguardo sembra precluso.

Solo un intervallo, anche questo, perché la Storia, quella con la esse maiuscola, è un macchinario dai denti aguzzi, che va avanti per conto suo, schiacciando i sogni che gli si parano davanti.

Il boom si sgonfia, arriva il flagello dell’eroina che corrode le vene e le idee, incombe il sospetto e il disprezzo verso tutto ciò che è diverso, intrighi si succedono a intrighi, pasticci brutti, scandali, mentre nel buio lampeggiano sinistre le torce elettriche dei ragazzi di “Le Bal”.

Siamo alla fine, ormai.

In rapida successione si srotola il tappeto mobile dell’arroganza craxiana-berlusconiana, sulle note tronfie della disco dance, su seni e cosce esposte, su carne femminile e maschile in vendita a buon mercato, sulla livida rabbia della Legge che può mettere solo inciampi ma non riesce in nessun modo a fermare la corruzione dilagante.

Mentre cellulari, hi-pad e auricolari ipnotizzano uomini e donne, anche quando la musica non c’è più, riducendo tutti a inerti automi, ecco due boati giganteschi.

Dal varco aperto dall’immane crollo delle Torri Gemelle entra nella vita di tutti i giorni il nuovo mostro, il terrorismo.

E il sipario viene giù.

Applausi, tanti, prolungati meritatissimi.

Una recita muta in cui sono i corpi e i volti dei giovani, bravi e ispiratissimi attori-danzanti a esprimere molto meglio di un testo scritto la verità di sessant’anni di Storia italiana.

A emozionare, a divertire e a commuovere un pubblico quanto mai partecipe che, alla fine, si mette a ballare anche lui.

 

  Sennò,  mi sapete dire che “Le Bal” sarebbe?

 

LE BAL 
L’Italia balla dal 1940 al 2001
da LE BAL, una creazione del Théâtre du Campagnol
da un’idea e nella regia di
Jean-Claude Penchenat
con
GIANCARLO FARES, SARA VALERIO
ALESSANDRA ALLEGRINI
RICCARDO AVERAIMO
ALBERTA CIPRIANI
VITTORIA GALLI
ALICE IACONO
MATTEO LUCCHINI
FRANCESCO MASTROIANNI
DAVIDE MATTEI
MATTEO MILANI
PIERFRANCESCO PERRUCCI
MAYA QUATTRINI
MICHELE SAVOIA
PATRIZIA SCILLA
VIVIANA SIMONE

coreografie ILARIA AMALDI
uno spettacolo di
GIANCARLO FARES

 

  Guitto Matto

 

15 Luglio 2017 | by | Commenti disabilitati su Ah, se l’è bel, «Le Bal» !
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: ALBERTA CIPRIANI, ALESSANDRA ALLEGRINI, ALICE IACONO, AYA QUATTRINI, DAVIDE MATTEI, FRANCESCO MASTROIANNI, Giancarlo Fares, ILARIA AMALDI, Le Bal, LE BAL L'Italia balla dal 1940 al 2001 da LE BAL, Marina di Pietrasanta, MATTEO LUCCHINI, MATTEO MILANI, MICHELE SAVOIA, PATRIZIA SCILLA, PIERFRANCESCO PERRUCCI, RICCARDO AVERAIMO, una creazione del Théâtre du Campagnol da un’idea e nella regia di Jean-Claude Penchenat con GIAN SARA VALERIO, Versiliana. Guittomatto, VITTORIA GALLI, e VIVIANA SIMONI.

Goodmorning Brescia (49) – Classici da ripensare e da riproporre

Dunque si cambia.

E che cambiamento!

Da austera conferenza stampa tenuta nel Foyer, la presentazione della Stagione di Prosa 2017/2018 del C.T.B. si fa strappare il biglietto e passa all’interno del Teatro Sociale, trasformandosi in spettacolare happening.

Serata davvero particolare al  Teatro Sociale di Brescia: veduta dall’alto della platea con i primi spettatori-invitati che comiciano ad accomodarsi ai propri posti già mezzora prima dell’inizio.

Che si tratti di una festa lo si capisce sin dal primo istante, quando una briosissima Anna Meacci introduce la serata riuscendo ad attrarre a sé l’attenzione del pubblico che affolla il teatro in ogni ordine di posti: bendisposto, divertito, sì, ma anche molto ma molto curioso di conoscere le novità che caratterizzeranno la prossima stagione.

«I numeri possono essere aridi e noiosi, ma sapere che il trend di crescita del Teatro bresciano continuano a essere costantemente in crescita è qualcosa che ci riempie di soddisfazione e ci sprona a proseguire su questa strada» è il saluto della Presidente Camilla Baresani Varini, che con altri numeri va avanti.

«Trentacinque titoli, nella entrante stagione, con undici nuove prosduzioni marcate Centro Teatrale Bresciano, costante incremento di spettatori (con una base di oltre 110.000 sbigliettamenti nel 2016/2017) e abbonati, di cui il 40% proveniente da fuori della cerchia cittadina»

Poi la parola passa al tabellone, che è quanto mai vario e intrigante: la parte del leone, pure in presenza di significative opere “del presente”, va a quella che è definita un’operazione di recupero, rivisitazione e riproposizione di grandi classici.

Del dettaglio dei titoli in programma leggerete con comodo sui quotidiani di domani, in questa sede, in cui ci preme darvi una primizia di quanto accaduto al Sociale, ci basta segnalare quelli che, epidermicamente, hanno richiamato la nostra attenzione: 

I miserabili (ATTENZIONE con Franco Branciaroli nella parte di Jean Valjean), Il malato immaginario, Giulio Cesare, Pinocchio, La classe operaia va in paradiso, I Malavoglia, Stasera si recita a soggetto, Accabadora, Delitto e castigo, Marilyn, la rarità shakespeariana I due gentiluomini di Verona… e qui siamo costretti a fermarci, perché (tra l’uno e l’altro) finiremmo per scrivere tutto l’elenco o quasi.

La “cerimonia” viene impreziosita da gustose primizie recitate da alcuni degli attori che calcheranno il palcoscenico a partire dal prossimo autunno, tra  i quali, oltre al già nominato Branciaroli, si affacciano volti noti e amati in città come Fausto Cabra, Elena Bucci, Marco Sgrosso, Luca Micheletti, Lucilla Giagnoni, Elisabetta Pozzi e Francesco Colella, Valter Malosti, Monica Ceccardi e Silvia Quarantini…

Si succedono anche rappresentanti delle Istituzioni “azioniste” (Regione, Provincia e Comune) e delle grandi aziende “sostenitrici” A2A e ASM, vengono più volte e giustamente sottolineate le azioni del C.T.B. tese a unire ancora di più il Teatro ai cittadini e viceversa e, soprattutto, a diffondere l’amore per la prosa tra giovani e giovanissimi, con moltissimi appuntamenti ed eventi pensati ad hoc e l’offerta di consizioni agevolate per la fruzione dei teatri cittadini da parte degli alunni delle scuole bresciane.

Si conclude così, dopo il saluto di un emozionato Direttore Gian Mario Bandera («Benedetta l’emozione e chi sa ancora emozionarsi», dice il saggio) che coglie l’occasione per anticipare anche il prosimo arrivo dell’innovativo EvoLutioN City Show Brixiae Editio che animerà le strade del centro, questa autentica e perfettamente riuscita festa del Teatro, della Prosa, della Drammaturgia, in definitiva di tutta la Cultura bresciana:

tra applausi e consensi e, una volta fuori, nella tiepida, magnifica Brescia di questa notte quasi estiva, con il pensiero che le nuove aprture di sipario al Teatro Sociale e al Mina Mezzadri Santa Chiara sembrano ancora troppo lontane.

Per fortuna che, di mezzo, per ingannare in qualche modo l’attesa, ci saranno le vacanze…

 

  

(per una volta insieme Bonera.2 & GuittoMatto)

8 Giugno 2017 | by | 1 Comment
Categorie: Giorni d'oggi e Teatro & Arte varia.
Tag: A2A, Accabadora, Anna Meacci, ASM, austo Cabra, Bonera.2, Camilla Baresani Varini, Centro Teatrale Bresciano, CTB, Delitto e castigo, Elena Bucci, Elisabetta Pozzi, Francesco Colella, Franco Branciaroli, Gian Mario Bandera, Giulio Cesare, Guitto Matto, I due gentiluomini di Verona, I Malavoglia, Il malato immaginario, La classe operaia va in paradiso, Luca Micheletti, Lucilla Giagnoni, Marco Sgrosso, Marilyn, Monica Ceccardi, Pinocchio, Shakespeare, Silvia Quarantini, Stasera si recita a soggetto, e Valter Malosti.

Mioddio, My-day, ma dai… MEDEA!

   La tragedia di Euripide 
La tragedia greca (scritta da Euripide per le Grandi Dionisie del 431 a.C. e considerata una delle più significative tragedie classiche) comincia con la vecchia Nutrice che riassume quanto accaduto… nelle puntate precedenti: dopo la conquista del vello d’oro nella Colchide (narrata ne «Gli Argonauti» di Apollonio Rodio), Medea e Giasone si trasferiscono a Corinto, insieme ai due figli. Dopo qualche anno di convivenza, però, Giasone (eroe stanco e imbolsito in cui affiorano bassezza e meschinità da uomo qualunque) decide di ripudiare Medea per convolare a nozze con Glauce, non solo più giovane e fresca di sua moglie, ma anche (e non è cosa di poca importanza) figlia di Creonte, re di Corinto: una condizione che, da sola, potrà consentire a Giasone di salire al trono.
Medea, però, non è donna che possa tollerare di ricevere, da un uomo al quale ha donato tutto il proprio amore e la propria passione, ma che si è rivelato meschino, decidendo di ripudiarla per la “carriera”: lo dice il suo stesso nome, che, derivando dal verbo medèomai (curare attraverso erbe e pozioni magiche), indica la sua natura di “maga, strega”. Non per nulla, qualora non lo ricordaste, era stata lei a preparare il filtro servito per narcotizzare il drago posto a guardia del mitico Vello d’Oro, lei a tradire suo padre e a uccidere il fratello per poter seguire Giasone. Medea è la passione barbara, ferina; Medea è la rabbia che non si placa se non con la vendetta; Medea è la minaccia che viene da lontano, è la creatura aliena capace di amare e di odiare fino all’autodistruzione. Inutili, dunque, i tentativi di Giasone di far accettare alla moglie la sua decisione. Inutile la precauzione adotatta dal re Creonte che, temendo il peggio, decreta l’immediato esilio della donna. Ottenuto con una scusa il rinvio della partenza, sia pure per un solo giorno, Medea  fa pervenire alla rivale Glauce, come dono nuziale, un mantello intriso di potentissimo veleno. La giovane figlia del Re lo indossa, morendo tra atroci dolori.
Poi l’incontenibile ira di Medea si abbatte anche sui figli.

    Lo spettacolo 

Dunque, come già detto, a oltre vent’anni di distanza dalla rivoluzionaria direzione di Luca Ronconi nel 1996,  con il riallestimento e la rivisitazione effettuati per l’occasione da Daniele Salvo, Franco Branciaroli rende omaggio al Maestro scomparso nel 2015, tornando a vestire i panni della selvaggia Medea nella nuova edizione di una vera e propria gemma e di un solido punto di riferimento della storia del Teatro contemporaneo italiano.

Il Male, il Bene, Dio e Satana, sono entità sprovviste di identità sessuale, comprendendole in sé tutte. Così come l’amore, l’odio, la speranza, la disperazione… e la minaccia di ciò che è alieno, in cui, amava dire Ronconi,  «si può identificare senza tema di sbagliare, il personaggio di Medea»..

     

  

 (foto di scena scattate da Umberto Favretto ph) 

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Su uno schermo è proiettata l’immagine di un cuore che palpita, nudo e sanguinante, sotto i ferri del chirurgo.

Sull’altro, un paesaggio spoglio, quasi desertico.

E il canto straziato e straziante di una donna che erompe dal mare Mediterraneo, non importa da quale sponda, cristiana o musulmana, tanto il sale nell’acqua ha lo stesso dosaggio.

È così che comincia a Medea di Ronconi e di Branciaroli, un’autentica celebrazione liturgica, officiata sulle assi del palcoscenico che, fin dall’inizio, preannuncia sacrifici umani., autentici o mistici, solo questo è da scoprire. sia gli uni che gli altri, in realtà, al tirare delle somme.

E di Medea, all’inizio, si ode solo la voce fuori-scena: lamentosa, malmostosa, sgradevole quanto può esserlo il lamento di qualcuno che non siamo noi.

Poi comincia il gioco sottile e complesso al tempo stesso delle tante contaminazioni che intarsiano la narrazione.

Euripide è sempre presente in scena, certo, eccome, ma sembra tirarsi in disparte, a volte,  di fronte agli aspirapolvere manovrati dalle donne del coro, a un lettino da ginecologo con tanto di paradosso di uomo incinto, alle rivisitazioni di melodie che occhieggiano, neppure troppo discretamente, a Battisti e ai Procol Harum, alle divise dei soldati del Re agghindati come picciotti di Cosa Nostra.

L’antica Grecia allarga i suoi confini fino a sovrapporli a quelli dell’Europa, dell’intero Occidente, con il Potere che cala dall’alto scendendo con maestoso impaccio i gradini di una scala che fa bella mostra di sé al lato del palcoscenico: ingloba nella rabbia ferina di Medea il fermento degli sradicati, per forza o per scelta, dal territorio, dalle tradizioni, dalla propria religione, fate voi.

E finalmente eccolo, Branciaroli, maestro del gesto, della voce (anzi, delle voci) e della presenza scenica, capace di assommare alla propria arte le parti più significative della funambolica recitazione che fu patrimonio di Carmelo Bene.

Incombe sul pubblico, lo strega, ispira tutti gli altri attori senza mai prevaricare, indirizza tempi, ritmi e atmosfere anche quando non è in scena.

Nella sontuosa sceneggiatura di Ronconi tutto è fedele al testo classico, tutto lo tradisce. A cominciare dal coro, che prima blandisce la sete di vendetta della barbara tradita, la esalta, poi, ma solo quando ormai è troppo tardi, spaventato, cerca timidamente di moderarla.

L’umiliazione, il rancore, soprattutto la rabbia cieca e animale che “chi sta sopra” cerca invano di tenere sotto controllo.

«Ti sarebbe bastato adattarti senza recalcitrare alle decisioni  che qualcun altro ha preso per te» ricorda alla moglie, che ha ferito mortalmente, Giasone, l’eroe-cialtrone, con il meschino buonsenso dei vigliacchi.

Sul finire, non casualmente si abbassano le luci sul palcoscenico, così come, rapidamente, si va spegnendo il lume della ragione: Medea teme e soffre lei per prima l’atrocità di ciò che sta per compiere, ma dice a se stessa, come capita a ciascuno, almeno una volta nella vita, che «la passione sa essere più forte della ragione».

La prima parte della strage è compiuta, ancora più atroce nella narrazione a cose fatte che ne fa il precettore, sconvolto da tanto sangue e tanta violenza.

Quanto alla seconda, ancora più atroce, l’uccisione dei propri figli s’intravede dietro uno schermo, con richiami non troppo nascosti a quelli della finestra dell’hitchcockiano “Psycho” dietro cui si celava la doppia personalità del folle Norma Bates. Nel dramma lacerante di Medea si riassume e si sublime quello di quelle mamme assassine di cui sono disseminate le contemporanee cronache di nera.

Si conclude, dopo la chiusura del sipario, con una ripetuta e convintissima chiamata in scena degli attori a suon di applausi.

E con una nota che, per sdrammatizzare un po’ (e credete, non è così facile nella recensione della madre di tutte le tragedie e nella tragedia di molte madri):

IN QUESTO SPETTACOLO NON SONO STATI MALTRATTATI BAMBINI

Chi assisterà a questa sorprendente e stimolante rappresentazione…. capirà.

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   Il Mattatore 

«Mi raccomando, il pubblico deve ricordarsi sempre, per tutto il corso dello spettacolo, che Medea è un uomo» affermò Branciaroli nel ’97, alla vigilia della rappresentazione romana della tragedia di Euripide (Teatro Quirino).

«Che ci sono io, coi bicipiti un po’ da camionista, dentro la parte. Voglio dire che quelli che stanno in sala non devono farsi fregare dalle convenzioni, come invece succede al coro di Euripide, che qui non può accorgersene e che, naturalmente, crede di avere a che fare con il personaggio vero, la donna tragica di Euripide»

«Io non interpreto una donna, sono nei panni di un uomo che recita una parte femminile, è molto diverso. Medea è un mito: rappresenta la ferocia della forza distruttrice» fa presente oggi.

«Lei è un essere smisurato, che usa un potere sinistro, usando la femminilità come maschera, per commettere una serie mostruosa di delitti: non è un caso che la prima a cadere sia una donna, la regina, la nuova sposa di Giasone»

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MEDEA di Euripide  (traduzione Umberto Albini) regia di Luca Ronconi ripresa da Daniele Salvo scene Francesco Calcagnini riprese da Antonella Conte Costumi di Jacques Reynaud ripresi da Gianluca Sbicca luci di Sergio Rossi riprese da Cesare Agoni con: Antonio Zanoletti, Alfonso Veneroso, Tommaso Cardarelli, Livio Remuzzi, Elena Polic Greco, Elisabetta Scarano, Serena Mattace Raso, Arianna di Stefano, Francesca Maria, Odette Piscitelli e Alessandra Salamida, Raffaele Bisegna e Matteo Bisegna produzione CTB Centro Teatrale Bresciano – Teatro de Gli Incamminati – Piccolo Teatro di Milano Teatro d’Europa

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dal 9 al 21 maggio al Teatro Sociale di Brescia.

 

 

  GuittoMatto

10 Maggio 2017 | by | Commenti disabilitati su Mioddio, My-day, ma dai… MEDEA!
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: 1996, Alessandra Salamida, Alfonso Veneroso, Antonio Zanoletti, Arianna di Stefano, Brescia, Colchide, Corinto, Creonte, CTB Centro Teatrale Bresciano, Daniele Salvo, Elena Polic Greco, Elisabetta Scarano, Euripide, Francesca Maria, Franco Branciaroli, Giasone, Glauce, Gli Incamminati, Livio Remuzzi, Luca Ronconi, Lucio Battisti, Matteo Bisegna, Medea, Odette Piscitelli, Piccolo Teatro di Milano, Procol Harum, Raffaele Bisegna, Serena Mattace Raso, Teatro Quirino Roma, Teatro Sociale di Brescia, Tommaso Cardarelli, Umberto Albini, e vello d'oro.

Quella famosa Napoli… che non ti aspetti

 «Napoli magica – Vispi morituri, morti viventi e morti di fame» è il titolo volutamente didascalico e paradossale della pièce che il professor Giulio Forbitti (per la ventesima volta, un vero record) ha scritto per il consueto spettacolo messo in scena (sotto la responsabilità della professoressa Elena Bonometti, affiancata nel lavoro di direzione di palcoscenico dalla collega Maria D’Abrosca) dagli alllievi ed ex-allievi dell’Istituto Primo Levi di Sarezzo, insieme ai ragazzi diversamente abili della cooperativa «L’Aquilone», per la regia di Guido Uberti. 

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La trama:

Nella commedia, andata in scena venerdì e sabato sera sul palcoscenico del teatro San Faustino di Sarezzo, si narra del viaggio a Napoli,  in visita all’anziana nonna che, pur ancora lucida e autosufficiente, sente incombere l’arrivo della morte, di una famiglia ormai radicata al nord. Troveranno, oltre alla riscoperta di una donna in cui all’arguzia partenopea si miscela armonicamente una singolare sapientia vitae, un mondo sconosciuto, intessuto di arte, di storia, di leggende, superstizioni e autentiche magie.

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Lo spettacolo

Si comincia con il sipario tirato e, davanti, la professoressa Elena Bonometti e il drammaturgo Giulio Forbitti che introducono lo spettacolo al cospetto di una platea gremita di spettatori e (si vedrà poi) ben disposta all’applauso.

Poi si comincia e, subito, si capisce qunto siano giovani gli attori.

Qualcuno più giovane di quanto si sarebbe potuto immaginare.

L’argomento, però, è piuttosto complesso: sotto un leggerissimo ma gustoso velo di comicità tutta “acqua & sapone”, infatti, si palesa il tema dei temi: il rapporto dell’essere umano con una fine scritta sin dal momento della nascita, mannaia sterminatrice o preziosa cornice che, limitando il bel quadro della Vita, ne esalta vieppiù il valore.

La pièce è divertente e scorrevole, intarsiata anche di gradevoli momenti musicali e completata dalla accattivante coreografia finale.  Un brio complessivo che permette di sorvolare su alcuni passaggi (particolarmente quelli tesi a valorizzare i tesori artistici e i suggestivi misteri partenopei, in logica dipendenza delle finalità educative del progetto) che possono risultare alquanto didattici.

 

 

Bene la regia, attenta e capace di tenere in scena, senza confusione, un numero così alto di attori. 

Essenziale (anche e soprattutto per motivi di budget) ma efficace la scenografia.

Convinti gli applausi finali.

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  GuittoMatto

1 Maggio 2017 | by | Commenti disabilitati su Quella famosa Napoli… che non ti aspetti
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: Cooperativa «L’Aquilone», Elena Bonometti, Giulio Forbitti, Gruppo Teatrale Gianluca Grossi, Guido Uberti, GuittoMatto, Istituto Primo Levi, Maria Dabrosca, Napoli, Napoli magica, Sarezzo, Teatro San Faustino, e vispi morituri morti viventi e morti di fame.

Le relazioni… meravigliose del CTB

Voglio fare una confessione.

Dopo tanti anni trascorsi (con smodato piacere) a respirare polvere di palcoscenico, è ormai estremamente difficile che si crei in me un’aspettativa pari a quella che ha accompagnato l’avvicinarsi dell’esordio di «Le relazioni pericolose» ennesimo riadattamento del romanzo epistolare  (titolo originale «Les liaisons dangereuses») scritto da Pierre Ambroise François Choderlos del Laclos e pubblicato nel 1782.

Nel 1782, sì: appena sette anni prima che il deflagrare della Rivoluzione Francesce cominciasse a distruggere, con straordinaria violenza e rapidità inusitata per i mutamenti epocali, le basi di una vecchia era, per costruirne una del tutto nuova e diversa.

Per questo e per altro, che scoprirete proseguendo a leggere questo post, la recensione è di quelle “in forma solenne”, comprensiva cioè di notizie che vanno ben oltre il commento dello singolo spettacolo posto sotto osservazione.

    Il romanzo 

Trama

Narra le avventure di due libertini appartenenti alla nobiltà francese del diciottesimo secolo, ed è considerato uno dei capolavori della letteratura francese. Nell’insensata competizione a carattere seduttivo-sessuale che si instaura tra il giovane e irruento Danceny e il più esperto e amorale visconte di Valmont, una sola persona è capace di dominarne e condizonarne a sua volontà gli istinti: la Marchesa de Merteuil ricca vedova e cinica conoscitrice dell’animo umano e delle debolezze insite nei sentimenti, nonché abile manovratrice dei suoi amanti.

È un affresco post-barocco di una società  dissoluta e cinica, ma allo stesso tempo cieca rispetto al minaccioso mutare dei tempi. La cronaca sensuale di una corsa verso l’autodistruzione effettuata nel compiacimento di un Potere che si va dissolvendo e nel nome della ricerca dei più sfrenati piaceri assurta a valore pseudo morale.

    Il film 

Regia : Stephen Frears

Interpreti e personaggi:

È una di quelle pellicole belle, variopinte ed effimere…  come farfalle.

Uscì nelle sale cinematografiche nel 1988 (trentatre anni dopo il meno famoso e fortunato film di Roger Vadim del 1955) con la regia di uno come Stephen Frears, che ha firmato film come Rischiose Abitudini, Eroe per caso e The Queen). Grazie a un cast che definire stellare è probabilmente riduttivo, il successo fu clamoroso, al punto che il titolo si trasformò in breve tempo in una frase di uso corrente.

Vinta piuttosto agevolmente anche la competizione con Valmont di Miloš Forman (girato quasi contemporaneamente e uscito nelle sale nel 1989), anch’esso tratto dal medesimo romanzo, alla fine di una stagione di strepitoso successo lo slancio si esaurì, senza neppure essere in qualche modo rilanciato, negli anni immediatamente successivi, da una frequente programmazione televisiva. Fenomeno misterioso, ma non infrequente come potrebbe sembrare, nel mondo del cinema.

Ricordo, infine, che la trama del romanzo di Pierre Ambroise François Choderlos del Laclos è stata nuovamente ripreso nel 1999 con il film Cruel Intentions – Prima regola non innamorarsi,  diretto da Roger Kumble con Sarah Michelle Gellar e Ryan Phillippe.

  Lo spettacolo 

Ci sono attori che sono sempre e comunque una garanzia per gli spettatori che si recano ad assistere ai loro spettacoli. Un po’ come il marchio DOCG impresso su una bottiglia di buon vino, tanto per intenderci. Elena Bucci (fresca vincitrice di importanti riconoscimenti quali il Premio Eleonora Duse e il Premio Ubu) e Marco Sgrosso (cofondatore della Compagnia Le Belle Bandiere) sono certamente da annoverare tra questi, e quelle che il C.T.B. intrattiene con loro (iniziate con Macbeth nel 2005 e proseguite nelle successive stagioni con i fortunati allestimenti Hedda Gabler, L’amante, La Locandiera, Antigone ovvero una strategia del rito, Juana de la Cruz o le insidie della fede, Ella, Mythos, Tartufo, Svenimenti e La canzone di Giasone e Medea) sono davvero…  «Relazioni meravigliose».

 

 

(qui sopra quattro meravigliose istantanee di scena scattate dal fotografo Marco Caselli Nirmal)

La “prima accoglienza” riservata agli spettatori che gremiscono il Teatro Santa Chiara Mina Mezzadri per l’esordio de «Le relazioni pericolose» è una festa per gli occhi fatta di luci e colori: appena la sala piomba nel buio ecco che, come per incanto, ci si ritrova in un mondo alieno e antico al tempo stesso,  intriso delle tinte soffuse e morbide delle ciprie con cui, nel ‘700, si cospargevano abiti e parrucche.

È la gioia profana della corruzione morale, che trasuda dai primi scambi epistolari, diretta emanazione del delirio di onnipotenza di uno “stato” aristocratico che, per realizzarsi pienamente, ha bisogno di andare oltre ciò che consentono ceto, ricchezza e politica. E quando corrompere l’innocenza (della giovanissima Cecile de Volanges) si rivela troppo facile («il complotto è sproporzionato all’impresa» chiosa il visconte di Valmont»), viene il turno della più ghiotta delle prede: la stessa onestà (dell’incorruttibile Madame de Tourvel).

Sono bravi, anzi bravissimi, Elena Bucci – la perfida Marchesa Isabelle de Merteuile e Marco Sgrosso – l’inveterato seduttore Visconte di Valmont (responsabili anche della drammaturgia), felicemente affiancati da un poliedrico Gaetano Colella (tanti personaggi in uno), ma questo si sapeva già.

Particolarmente ispirati, questa sera, grazie anche al perfetto connubio scene/suono/luci/costumi, ma soprattutto…

… soprattutto riescono a colmare con grande agilità e senza alcun contraccolpo su pubblico, quel gap romanzo epistolario-palcoscenico  più largo di un’autostrada a otto corsie.

Riescono a rendere alla perfezione quel “vacuum vitae” che non è poi cambiato così tanto, dal ‘700 al terzo millennio.

Rendono, ingenerando un certo malessere in chi assiste allo spettacolo, quella tristezza di un iter operativo del Male ben delineato e  determinato, praticamente un protocollo, seguendo fedelmente (pur se ottusamente) il quale, prima o poi, si riesce a vincere ogni resistenza del Bene e di ciò che lo simboleggia e rappresenta.

A descrivere la farsa-tragedia di quell’arroganza becera quanto miope di una classe dirigente talmente impegnata a soddisfare le proprie brame, a ubriacarsi di ostentazione e sopraffazione del prossimo da non accorgersi che la fine sta arrivando.

Tutto sembra allegro, tutto sembra piacere, ma alla fine si rivela volgare e macabro come una qualsiasi  “cena elegante” da seconda repubblica.

Finisce in tragedia, com’è giusto che sia, con i protagonisti che si trovano costretti a fare i conti con la propria nullità, con il vuoto siderale di esistenze spese  senza ideali e senza scopo, nella più assoluta e cupa delle solitudini.

E la luce che scende davanti agli attori, inesorabile come la lama della ghigliottina, mentre parte la canzone gloriosa e letale della Marsigliese, è il prezzo di un’epoca che cambia, in modo violento e irreversibile.

 

 Al Teatro Santa Chiara Mina Mezzadri di Brescia dal 19/4 al 14/5/2017 

Mi sia consentito concludere dando la parola alla colta quanto disinibita e cinica Marchesa de Merteuil:

«L’amore che vantiamo come la causa dei nostri piaceri, non ne è in realtà che il pretesto »

Una frase stupenda e rivoluzionaria, per essere stata scritta nel 1782, non è vero?

 

 

   GuittoMatto

19 Aprile 2017 | by | Commenti disabilitati su Le relazioni… meravigliose del CTB
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: Brescia, Cruel Intentions - Prima regola non innamorarsi, CTB, Denia Donati, Elena Bucci, Eroe per caso, Gaetano Colella, Glenn Close, GuittoMatto, John Malkovich, Keanu Reeves, Le relazioni pericolose, Les liaisons dangereuses, Marchesa de Merteuil, Marco Sgrosso, Marta Benini, Michelle Pfeiffer, Nicoletta Fabbri, Pierre-Ambroise-François Choderlos de Laclos, Raffaele Bassetti, Rischiose Abitudini, Stephen Frears, Teatro Santa Chiara Mina Mezzadri, The Queen, Uma Thurman, e Valmont.

Non solo Montalbano, se l’obiettivo è la metamorfosi

Camilleri che non ti aspetti.

Ne «Il casellante», andato in scena al Teatro Sociale di Brescia, di Montalbano non c’è nemmeno l’ombra, ma c’è molto, molto altro.

Parliamo intanto del libro: Il casellante è un romanzo di Andrea Camilleri pubblicato nel giugno  2008 da Sellerio. L’opera di mezzo tra Maruzza Musumeci e Il sonaglio, il tutto incluso nel libro-raccolta di cui si è inserita la copertina.

Narrazioni di surreali metamorfosi, nelle quali si riprende il mito greco, per calarlo nella realtà siciliana.

Il casellante, in particolare, è un’opera di grande valore, capace di cogliere e sollecitare nel lettore sia la corda comica che quella tragica ed emotiva. Scritta in vigatese, vale a dire in quella lingua artificiale creata dallo stesso Camilleri, con la quale l’autore siciliano cerca di operare una bizzarra ma efficace mediazione tra la lingua italiana e il siciliano, la storia tocca diersi argomenti di grande delicatezza e importanza, quali l’amore, la violenza esercitata contro la donna, un certo tipo di bullismo ante litteram, la negazione della maternità (etc.) risultando divertente e commovente.

E scusate se è poco.

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È da questo romanzo che prende le mosse lo spettacolo teatrale (in pieno accordo con lo stesso Camilleri) con l’adattamento scenico di Giuseppe Dipasquale, responsabile anche della regia e delle scene.

Al centro di tutto un casello ferroviario e un negozio da barbiere. Una vita che si dipana tranquilla, al limite della monotonia, o almeno così sembra. In realtà il Male è presente anche a Vigata e scorre sempe meno in profondità, fino ad affiorare come un liquame letale.

E, come sempre, saranno i più umili semplici e indifesi a pagare per tutti, e l’unica via di scampo, per alcuni di loro, sarà l’evasione nell’irrealtà della fantasia.

Soffermandomi il tempo strettamente necessario sulla magistrale performance di un incontenibile Moni Ovadia (interprete di sei personaggi della pièce) nel quadro di un lavoro collettivo di altissimi livello medio, ricordo tra tutti l’ispirato Mario Incudine nei panni del moralmente eroico casellante Ninuzzo e la straordinaria Valeria Contadino che impersona, perfetta in ogni sfumatura, la quotidianità, l’ottimismo solare e poi, la straniata disperazione di Minica, sua moglie.

Un affresco di un sud cristallizzato nel tempo e nello spazio, un mondo magmatico e ostile in cui i più deboli devono ricorrere a ogni risorsa per resitere alla tracotanza di diverse categorie di potere, sviluppando una furbizia popolare che, in qualche caso, riesce a garantire una sopravvivenza.

Uno spettacolo in cui non mancano spunti comici irresisitibili (la vendicativa serenata all’avversario appena tornato dal viaggio di nozze) ma che è sapentemente guidato sia dall’autore del testo che dall’accorto sceneggiatore, verso un finale di struggente e romantica disperazione.

In questo quadro, perfettamente congrui risultano i suggestivi inserti musicali che ben s’intarsiano nel tessuto drammaturgico, perfettamente eseguiti da attori che si rivelano anche ottimi cantanti e musicisti.

Da otto in pagella anche le fantasiose sceneggiature archeo-tecniche e gli accattivanti costumi di Elisa Savi.

di Andrea Camilleri e Giuseppe Dipasquale
regia Giuseppe Dipasquale
scene Giuseppe Dipasquale
costumi Elisa Savi
luci Gianni Grasso
musiche originali Mario Incudine con la collaborazione di Antonio Vasta
con Moni Ovadia, Valeria Contadino, Mario Incudine, Sergio Seminara, Giampaolo Romania
e con i musicisti Antonio Vasta, Antonio Putzu
la canzone “La capra avi li corna” è di Antonio Vasta
produzione Promo Music – Corvino Produzioni, Centro d’Arte Contemporanea Teatro Carcano, Comune di Caltanissetta

 

   GuittoMatto

10 Aprile 2017 | by | Commenti disabilitati su Non solo Montalbano, se l’obiettivo è la metamorfosi
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: Andrea Camilleri, Antonio Putzu, Antonio Vasta, Brescia, Elisa Savi, Giampaolo Romania, Giuseppe Dipasquale, GuittoMatto, Mario Incudine, Moni Ovadia, Montalbano, Sergio Seminara, Teatro Sociale, Valeria Contadino, e Vigata.