Schegge di vita, schegge di anima… griffate Muccino

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LA TRAMA

Una grande famiglia (figli, nipoti, ex coniugi, cugini, zii e zie più o meno prossimi) riunita per festeggiare le Nozze d’Oro dei nonni, una coppia di pensionati che si è trasferita a vivere su un’isola. Il gruppo si ritrova bloccato a causa di un’improvvisa quanto violenta mareggiata che impedisce ai traghetti di fare spola con la costa. La forzata convivenza, inevitabilmente, causa l’affiorare di quegli aguzzi scogli rappresentati da incompatibilità, timori, diffidenze, gelosie, tensioni, vecchi rancori sopiti ma non rimossi, legati a questioni rimaste in sospeso. Una miscela incendiaria, resa ancora più esplosiva dall’inatteso sorgere di passioni sino a quel momento trattenute.

 

IL FILM

Quando durante il film ti passa davanti tutta la tua vita.

Quando esci dal cinema ripensando al passato, valutando criticamente il presente, raffigurarsi nel bene e nel male un futuro più o meno prossimo.

Beh, quando succede tutto questo, vuole dire che l’autore del testo, lo sceneggiatore e il regista (in qualche caso, come in questo, uniti nella stessa  persona, Gabriele Muccino, pur se nella sceneggiatura affiancato da Paolo Costella) hanno fatto decisamente un buon lavoro.

Allora cominciamo con il dire che «A casa tutti bene» s’inserisce perfettamente nella tradizione “italiana” del regista romano. La visione dei rapporti interpersonali, soprattutto quelli relativi alle relazioni amorose, che Muccino ha espresso e raccontato fin dalle prime pellicole, in questo film è vigorosamente ribadita e, in un certo senso, riassunta e schematizzata in un campione più numeroso del solito.

C’è di tutto, nel bestiario famigliare di questo nuovo lavoro, a partire (naturalmente) dal tradimento, la cui incidenza negativa sui destini viene enfatizzata, giudicata e, ogni volta, severamente e inappellabilmente condannata.

L’ipocrisia di certi legami di sangue e di affinità, logorati da rancori che vengono da lontano, da malintesi urticanti, da leggerezze imperdonabili, da relazioni sociali e lavorative andate a male.

C’è lo scetticismo in un sentimento puro, visto che anche i legami che sembrano più sciolti, si sfilacciano e si strappano di fronte all’incombere e all’accanirsi delle difficoltà che sgambettano, prima o poi, più o meno violentemente, l’esistenza quotidiana di ciascuno di noi. Un dissesto finanziario, una contrarietà lavorativa, una grave malattia ed ecco che parole e occhi non sanno più riconoscersi.

Perché si naviga solo se e fino a quando il mare si mantiene tranquillo, ma appena le onde si increspano, è solo lotta egoista e fratricida per la sopravvivenza.

Solo se, al momento giusto, con lo slancio necessario, senza restare paralizzato dagli scrupoli o dalla paura del “dopo”, ci si riesce ad aggrappare a un soffio caldo di passione. 

Solo gli umili, solo i più deboli, solo gli ingenui, paradossalmente, a volte, forse, chissà, dalla rovinosa caduta possono trovare la spinta per rialzarsi e sopravvivere.

Ancora un po’, forse, chissà.

Ordinata e coerente dal primo fotogramma all’ultimo la regia.

Di gran pregio la recitazione degli attori, professionisti tra i migliori di quanto offre attualmente la cinematografia nazionale, perfettamente a proprio agio nei personaggi che, attraverso un’attenta valutazione caso per caso, sono stati chiamati a interpretare.

Semplicemente perfetta la fotografia, ammiccante e ruffiana la scelta degli inserti musicali, per lo più a voce e pianoforte, curati talmente a fondo da sembrare veramente improvvisati.

Da vedere e meditare.

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20 Febbraio 2018 | by | Commenti disabilitati su Schegge di vita, schegge di anima… griffate Muccino
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: 01 Distribution, A casa tutti bene, Carolina Crescentini, Christian Marconcini, Claudia Gerini, Elena Cucci, Elena Minichiello, Elena Rapisarda, Elisa Visari, Gabriele Muccino, Giampaolo Morelli, Gianfelice Imparato, Gianmarco Tognazzi, Giulia Michelini, Ivano Marescotti, Massimo Ghini, Paolo Costella, Pierfrancesco Favino, Renato Raimondi, Sabrina Impacciatore, Sandra Milo, Stefania Sandrelli, Stefano Accorsi, Tea Falco, e Valeria Solarino.

Il Mostro della laguna, la Bella, la Bestia e la guerra fredda

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Prima data di uscita: 1 dicembre 2017 (USA)
Regista: Guillermo del Toro
Budget: 19,5 milioni USD
Premi e nominations: Leone d’Oro alla 74/ma Mostra di Venezia, due Golden Globes (miglior regista e colonna sonora ad Alexandre Desplat), ben quattro Critic’s Choice e 13 nomination all’ Oscar 2018.
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TRAMA

Avventura, spionaggio, thriller, fiaba.

La vicenda si svolge nel 1963, in piena guerra fredda. Elisa (interpretata da Sally Hawkins), giovane donna muta, fredda e sensuale allo stesso tempo, lavora da addetta alle pulizie in un centro scientifico segretissimo di Baltimora, gestito dai servizi segreti americani. Insieme a lei lavora l’amica di colore  Zelda (Octavia Spencer), persona sensibile  e di grande saggezza. Altra persona cara è il vicino di casa Giles, discriminato sul lavoro per la sua omosessualità. Un giorno, Elisa scopre che all’interno dei laboratori è tenuta in cattività e sottoposta a crudeli esperimenti una creatura anfibia.  In poco tempo tra Elisa e l’uomo-pesce dalla natura (forse) divina, nasce in breve tempo una straordinaria sintonia che porterà la ragazza a cercare con ogni mezzo di strappare la creatura dalle “attenzioni” del perfido Strickland (Michael Shannon) e dal conflitto di spie giocato sulla sua testa. Non le sarà facile né indolore, naturalmente.

IL FILM

I temi trattati, vale a dire il rapporto mai ben definito tra l’apparenza e il reale, il perenne conflitto tra il bene e il male,  la stolida cecità di chi, ogni giorno, vende anima e corpo al Potere, la forza salvifica, miracolosa ma sempre fragile dell’Amore, l’irrinunciabile necessità della solidarietà umana, non sono certo originali.

Originale, però, e ben realizzato, è l’approccio con il quale  Guillermo del Toro s’ingegna a trattarli in questo film di grande suggestione, utilizzando diverse stringhe narrative e una moltitudine di “generi” ritenuti, generalmente, poco integrabili tra loro. C’è la fantasia della fiaba (trasparenti i riferimenti a «La bella e la bestia», il ritmo serrato di una storia magico-horror (l’iconografia di «Il mostro della Laguna Nera» appare cucita sulla pelle dell’uomo pesce di questo film), l’intrigo di una spy story (rese benissimo le atmosfere dei conflitti tra servizi segreti degli anni ’50 e ’60), il romanticismo (gli sguardi furtivi e le appena accennate carezze che precedono e preparano il fatale innamoramento), l’eros più profondo e coinvolgente, quello che non si muove per immagini  ma per immaginazione (il culmine, in questo, è l’immagine di Elisa che entra nuda nella vasca da bagno in cui l’attende la creatura fuggiasca).

Bravissimi gli attori, tutti, ma Sally Hawkins un po’ più in alto degli altri. Azzeccata la fotografia, attenta e fantasiosa la regia, con sorprendenti momenti di puro surrealismo (uno, retrò, bellissimo, in bianco e nero) e inserti di sound e di danza di grande efficacia. 

 

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19 Febbraio 2018 | by | Commenti disabilitati su Il Mostro della laguna, la Bella, la Bestia e la guerra fredda
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: Guillermo del Toro, La forma dell'acqua, Michael Shannon, Octavia Spencer, Patrizio Pacioni, Sally Hawkins, e The Shape of Water.

Che meraviglia , quando il Teatro… è “Aperto”!

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Dell’iniziativa di Elisabetta Pozzi e del Centro teatrale bresciano «Teatro aperto» si è già parlato in questo blog, nell’articolo apparso in questo blog lo scorso 9 novembre, di cui riportiamo il link.

(https://cardona.patriziopacioni.com/profumo-di-novita-al-san-carlino-con-teatro-aperto/)

A causa di una serie di impegni non ero però riuscito ad andare al San Carlino per vedere di cosa esattamente si trattasse.

L’ho fatto ieri pomeriggio, assistendo, con grandissima gratificazione, alla lettura scenica di «Terra Santa» di Mohamed Kacimi  scrittore e algerino nato da una famiglia di teologi, allievo prima di una scuola coranica, poi di una scuola francese.  Ed è proprio utilizzando la lingua francese, che Kacimi ha scelto di comporre le proprie opere.

Notizie più dettagliate su di lui potrete reperirle attingendo alla “santa” wikipedia, a questo link: https://fr.wikipedia.org/wiki/Mohamed_Kacimi.

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Mohamed Kacimi e il libro «Terra Santa» pubblicato da Elliott Edizioni nel 2008  (13 € – ISBN 9788861920347)

 

 

LA TRAMA

L’azione si svolge in una città assediata, che potrebbe ricordare una situazione mediorientale (in particolare la guerra israelo-palestinese) ma che, volutamente, l’autore priva di ogni preciso riferimento geografico.

Nel dramma si narra di una famiglia il cui palazzo è al centro di drammatiche operazioni belliche, all’interno della quale si sviluppano complessi meccanismi psicologici.

Un’isola di normalità all’interno della macelleria della guerra, che però non salverà i suoi abitanti, autentici naufraghi di esistenze “normali” ormai polverizzate da tragici e irreversibili eventi.

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LA VALUTAZIONE DEL TESTO.

Suggestivo, coinvolgente e serrato.

Molteplici i temi trattati dall’Autore, qui di seguito provo a riassumere quelli che più hanno  suscitato il mio interesse e le mie riflessioni.

La  fuga da una realtà disumana e violenta, come quella di un devastante conflitto, può coincidere con un tenace rifugio nelle sensazioni enei ricordi personali e nel privato familiare.  Si tratta, però, di un rimedio che, come un farmaco, si può rivelare medicamento se assunto nelle giuste dosi o droga se somministrato oltre una certa misura. Una dipendenza come quella alcoolica, simboleggiata dal desideri smodato di Arak e, più volte, manifesta il capo famiglia.

Se l’approccio alla religione, è acritico e intransigente, inevitabilmente, prima o poi,  si scivola nella perdita di ogni altro aggancio alla morale e all’etica. È il caso di Amin (il figlio) che, nel furore integralista, gode di avere ucciso un soldato, arriva persino a stuprare l’indifesa vicina Imen.

Altrettanto pericoloso, però, può rivelarsi ammantarsi di  cinismo, interrompendo ogni empatia con l’ambiente circostante. È il caso del padre Yad e di sua moglie Alia, le cui acide battute («Trent’anni d’amore, non sono più amore, sono pubblica amministrazione» «Un dio che si mette a proibire l’alcool non è un buon dio, è un rompiscatole» (lui) «Ho visto troppi morti per avere pietà; la cosa più importante è saper fare bene il caffè»  (lei) facciano più male a chi le pronuncia che a chi le ascolta.

I deboli sono destinati a soccombere. È il caso di Imen, vittima predestinata della violenza del mondo ma anche, soprattutto, delle proprie insicurezze. Una che ha chiamato il gatto Gesù, e non è un caso, perché l’animale è l’unico che non si approfitta di lei, perché può essere rassicurante avere sempre a disposizione un piccolo idolo peloso, una comoda coperta di Linus vivente, in mancanza dell’Onnipotente.

I servi del Potere sono pedine senza valore, intercambiabili, sacrificabili, e, non appena cominciano davvero a pensare, sono destinati a perire. È il caso del soldato Ian, forte solo della confortante schematicità delle procedure e dei regolamenti in cui l’ha incasellato lesercito, sorpreso da un’improvvisa, appena disegnata  consapevolezza di sé, una distrazione sufficiente a condurlo all’annientamento.

Uniche note pleonastiche, a mio avviso, due lunghi soliloqui (prima di Yad, poi di Imen). Scritti in bella calligrafia, sì, pieni di simbolismi, di evocazioni e di immagini, certamente, ma che risultano peraltro dissonanti dalla scarna narrazione di lucido e razionalissimo straniamento che caratterizza e scandisce una costruzione drammatica per il resto avvincente ed eccellente. Ammiccano allo spettatore, seducenti, ma inevitabilmente lo distolgono al fluire degli eventi, rallentando il ritmo serrato che, di «Terra santa», costituisce il pregio maggiore.

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LA LETTURA SCENICA

Di assoluta eccellenza l’interpretazione di attori che hanno dimostrato di avere interiorizzato e decodificato al meglio le caratteristiche dei personaggi che sono stati chiamati a interpretare: bravissimi Paolo Bessegato, Beatrice Faedi, Monica Ceccardi, Massimiliano Mastroeni, Andrea Tonin, con Silvia Quarantini impegnata a legare e a sottolineare con essenziali, direi spartani, ma efficacissimi effetti sonori la lettura collettiva.

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L’ESPERIMENTO

Quella che si viene a creare è un’atmosfera del tutto nuova e differente anche per uno come me che frequenta da anni teatri di ogni dove. Ci si trova lì, nell’antica chiesa-auditorum-teatro, a essere trascinati in qualcosa che non è dramma, ma ci somiglia molto. A farsi catturare e trascinare ella narrazione come uno straccio impigliato in un ingranaggio industriale. A chiedersi, alla fine dei conti, non senza una certa perplessità: «Cosa manca a tutto ciò, per essere compiutamente teatro?»

Già. Cosa manca?

La scenografia? No, perché lo scenografo più bravo e capace di coinvolgere e creare suggestioni, è quello che lavora nella mente dello spettatore.

I costumi? No, perché la stessa considerazione appena fatta male anche per il più abile costumi.

I movimenti? No, non mancano neanche questi: tutti i presenti al San Carlino li distinguevano, chiaramente, nella volta trattenuta a stento da parte del degli attori-lettori che si mette si pagano con grande efficacia nelle situazioni e nei personaggi creati da Kacimi.

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Applausi a scena aperta (sempre che ci fosse stata, una scena), ancora più preziosi visto che quello che gremiva il San Carlino ieri pomeriggio era un pubblico qualificato formato per la grandissima maggioranza da intenditori o da appassionati amanti del teatro.

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   GuittoMatto

11 Febbraio 2018 | by | Commenti disabilitati su Che meraviglia , quando il Teatro… è “Aperto”!
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: 9788861920347, Andrea Tonin, Beatrice Faedi, Brescia, Centro Teatrale Bresciano, CTB, Elisabetta Pozzi, Elliot, GuittoMatto, Massimiliano Mastroeni, Mohamed Kacimi, Monica Ceccardi, Paolo Bessegato, San Carlino, Silvia Quarantini, teatro aperto, Terra Santa, e Wikipedia.

Da Strindberg a Bergman, da «Oväder» a «Scene da un matrimonio» il viaggio svedese è interiore

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(foto a destra di Umberto Favretto)

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Non si tratta solo della partita a scacchi. Il “fil rouge” che collega August Strindberg, artista a tutto tondo, scrittore, poeta, pittore, drammaturgo e filosofo, con Ingmar Bergman, Maestro della cinematografia mondiale del ventesimo secolo, è molto più consistente.

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Strindberg, artefice di capolavori di teatro “simbolico e psichico”, utilizza nei suoi lavori immagini di grande impatto simbolico, per rafforzare il concetto di solitudine delle anime elette, di coloro cioè, che dotati di intelletto superiore, restano inevitabilmente incompresi da una massa di inferiore livello mentale. Da ciò si genera un conflitto che Strindberg battezza hjärnornas kamp  (ovvero “lotta di cervelli”), nel quale l’elemento femminile risulta sempre prevalente rispetto a quello maschile e la massa prevale sempre  sull’individuo, arrivando alla fine a commettere il själamord (“omicidio psichico”) consistente nel furto della credibilità sociale attraverso l’azione corrosiva del dubbio.

Anche i personaggi creati da Ingmar Bergman sono individui che non si confondono (o vorrebbero non confondersi) nella massa indifferenziata. Nelle pellicole del grande cineasta di Uppsala, essi recitano e raccontano il proprio stato di solitudine eccentrica, di voci che preferiscono dialogare con se stessi, con il proprio io, con la propria psiche, con le proprie convinzioni ideologiche e religiose. alla continua ricerca di un’autentica identità.

Un uomo che deve aiutarsi da solo, perché, come dice Bergman stesso, «Viviamo talmente lontano da Dio che forse Egli non sente la nostra voce, quando imploriamo il Suo aiuto»

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L’opera:

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Il dramma fu scritto da August Strindberg nel 1907 e venne rappresentato per 23 repliche (peraltro non assistite da successo) all’ Intima Teatern.

La pièce, collocata temporalmente nel mese di agosto, narra la vicenda degli abitanti di un unico palazzo: protagonista è  “il Signore”, un funzionario in pensione, che riceve la visita di suo fratello, un procuratore, al ritorno dalla villeggiatura. Incuriosito dalla strana atmosfera che avverte nell’ambiente, oltre a informarsi sullo stato del fratello, a cinque anni di distanza dal divorzio, inizia a indagare su chi siano i coinquilini del primo piano: sono Gerda, l’ex moglie del “Signore” con la bimba avuta nel corso del matrimonio, e il suo nuovo consorte, uomo torbido che, all’interno dell’appartamento, ha messo in piedi una bisca.

Nel corso di un colloquio, il “Procuratore” convince Gerda a riprendere il colloquio con il “Signore”, alla quale la donna chiede aiuto per aiutarla a divorziare da Fisher (di cui comincia a temere l’indole violenta) senza che questi le porti via la figlia. Cosa che, invece, si verifica allorché Fisher fugge con la figlia del pasticcere (altro inquilino del palazzo). Gerda e il Procuratore partono alla ricerca del fuggitivo, mentre il “Signore” resta in casa con la cameriera Louise, meditando sul senso della propria esistenza.

C’è un lieto fine, ma c’è anche, soprattutto, una nuova consapevolezza da parte del “Signore” che, rivedendo la ex moglie realizza di avere (forse)  ripreso in mano il filo della propria esistenza. Sta arrivando ormai l’autunno e (forse) abbandonerà quella casa-eremo-prigione.

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L’Autore:

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     August Strindberg modernissimo tra i moderni

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Nato a Stoccolma il 22 gennaio 1849 dallo  spedizioniere marittimo, Carl Oscar e dalla ex cameriera, Ulrika Eleonora Norling (alla quale va riferito il titolo dell’autobiografia pubblicata nel 1886 (appunto «Il figlio della serva») in cui Strindberg descrive un’infanzia difficile e disagiata. In realtà, anche se un sistema di rapporti di tipo patriarcale, un eccessivo rigore religioso e l’arrivo di una matrigna in seguito alla precoce morte per tubercolosi della madre, finirono per cerare un’atmosfera pesante che influì sulla formazione del giovane August, la famiglia era di estrazione e profilo borghese, tanto da disporre dei mezzi necessari per l’iscrizione alla Università di Uppsala. Qui Strindberg frequentò i corsi di medicina e di estetica che, però, abbandonò nel 1869 per dedicarsi all’attività di drammaturgo, sua autentica passione e vocazione. L’anno successivo un atto unico di sua composizione esordiv al Teatro Reale di Stoccolma.

La produzione di Strinberg, sia per quanto riguarda la drammaturgia che la narrativa, sempore alla ricerca di nuove forme di espressione e senza condizionamenti di tipo estetico, morale e sociale, rappresenta un’autentica novità, superando il realismo ottocentesco senza però lasciarsi condizionare dall’imperante pessimismo romantico e neo-barocco. 

Lo scrittore americano Eugene O’Neill, nel 1924, definisce August Strindberg «Precursore della modernità nel nostro odierno teatro e il più moderno fra i moderni».

Di lui Franz Kafka dice: «Non leggo Strindberg per leggerlo, ma per posare la testa sul suo petto».

André Gide lo annoverava fra i «Personaggi eminenti dell’umanità».

Per Ingmar Bergman, invece,  è  il «Compagno costante del suo impegno cinematografico».

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Lo spettacolo:

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Il cast di «Temoporale» al gran completo  (foto di Umberto Favretto)

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La scelta della regia è quella della fedeltà.

Non solo al testo, ma anche allo spirito dell’opera e alle intenzioni dell’Autore.

Al momento di entrare in sala, gli spettatori trovano già la platea invasa da una leggera nebbia. Poi il brontolio dei tuoni, messaggeri dell’incombente temporale, che si rivelerà un Godot in negativo: fa avvertire la sua minacciosa presenza, minaccia di scoppiare, per tutta la durata della rappresentazione,  ma le nubi nere che oscurano il cielo restano sterili.

Le scenografie giocano con luci e ombre, colore e chiaroscuri. Rumori come il suono delle campane e lo squillo del telefono si alternano con sonate di pianoforte e canzoni cantate e smozzicate, ma l’atmosfera della narrazione resta: precisamente quella senza tempo del primo ‘900,  tra le contraddizioni del diciannovesimo secolo, divisa tra i sogni di progresso e benessere della Belle Époque e i deliri di onnipotenza imperiale, tra le miserie del secolo dell’industrializzazione e le tensioni che porteranno agli immani conflitti prossimi venturi.

In tutto ciò la recitazione degli attori, di tutti gli attori, è semplicemente perfetta.

In prima posizione, per quanto ovvio, interpretato alla grande da un ispirato Vittorio Franceschi, il “Signore”. Uno che ciò che c’era da sperimentare e vivere nella propria esistenza, lo ha già vissuto e sperimentato. Stremato dalla fatica di mettersi continuamente in gioco, ormai rassegnato alla progressiva decadenza fisica e mentale, spaventato dall’avvicinarsi inevitabile e inesorabile della fine, aggrappato, come tanti anziani, alla rassicurante presenza di una ancor giovane donna, la cameriera Louise (ai giorni d’oggi sarebbe una perfetta badante) che si occupa di lui senza  creare complicazioni relazionali.

«I sentimenti e le simpatie, non ci appartengono più» è il ferreo mantra del Signore,  auto-recluso nella Casa del Silenzio.

«E lentamente ci stacchiamo dalla vita come un dente dalla gengiva».

Di grandissimo impatto la trovata scenografica del fondale che, nell’epilogo,  scorre via, dissolvendo la casa e mostrando un lussureggiante giardino prossimo al sonno invernale.

Nella mia (e non solo mia) interpretazione, decisamente opposta a quella che a suo tempo ne diede il grande Strehler, a nulla serve, per cambiare l’inerzia della narrazione, il contraccolpo di dignità e coraggio che il Signore esprime nella sua ultima battuta. E il lampione della ragione illumina sì, qualcosa d’importante, ma si tratta appunto dell’accettazione (razionale e necessaria) dell’esito che ogni vita deve avere. 

Perché finalmente piove, sì, ma quella che scende dal cielo grigio è la pioggia lenta e triste che bagna i cipressi, i crisantemi e le lapidi dell’universale cimitero.

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(vds. in argomento anche post del 26 gennaio 2017:  https://cardona.patriziopacioni.com/goodmorning-brescia-73-temporale-in-arrivo-al-teatro-santa-chiara/)

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  GuittoMatto

30 Gennaio 2018 | by | Commenti disabilitati su Da Strindberg a Bergman, da «Oväder» a «Scene da un matrimonio» il viaggio svedese è interiore
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: André Gide, August Strindberg, Bergman, Brescia, Centro Teatrale Bresciano, Cesare Agoni, CTB, Edoardo Chiaf, Eugene O’Neill, Franz Kafka, GuittoMatto, hjärnornas kamp, Ingmar Bergman, Intima Teatern, Mauro Marino, Melania Giglio, Monica Ceccardi, Monica Conti, omicidio psichico, Oväder, Patrizio Pacioni, Roberta Monopoli, Scene da un matrimonio, Sergio Mascherpa, själamord, Svezia, Teatro Santa Chiara Mina Mezzadri, Temporale, Umberto Favretto, e Vittorio Franceschi.

Pranzando in Manifattura… si mastica Teatro alla milanese

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Ho incontrato a Milano uno dei personaggi più attivi (come suol dirsi “a 360 gradi”) del Teatro italiano. Conversando piacevolmente nel corso del pranzo, circostanza che, come tutti sanno, facilita l’eloquio e le confidenze. 

Di quanto detto dal mio illustre anfitrione, appropriandomi per una volta della rubrica condotta dall’amico GuittoMatto, riporto qui sotto un rilassato ma non banale resoconto.

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«Quello tra Milano e il Teatro è un rapporto complesso. Uno di quegli amori travagliati ma intensissimi, capace di distinguersi da tutti gli altri. Un approccio organico,  multi-task, assai diverso, per esempio, da quello, pur possente, che con il Teatro  ha Roma Capitale»  dice Gaetano Callegaro, mentre ci si appresta a ordinare il primo.

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Con noi ci sono anche Guenda Goria (sua compagna di scena in Sinceramente bugiardi, insieme a Maria Teresa Ruta e Francesco Errico – in scena al Teatro Leonardo di Milano fino al 28 gennaio), Salvatore Buccafusca, mio compagno di scrittura di  Sua Eccellenza è servita e l’attore Antonio Conte, convinto e convincente “Vescovo sposato” nella stessa commedia.

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«Manifatture Teatrali Milanesi (abbreviato convenzionalmente in MTM) è un progetto artistico la cui attività è gestita dalla Fondazione Palazzo Litta per le Arti Onlus che, a sua volta, nel 2015 rilevò tutta l’attività di spettacolo e di formazione della Cooperativa Quelli di Grock, arrivando così a formare una delle più importanti realtà del sistema teatrale, non solo di Milano».

La conversazione è piacevole, come può essere soltanto quella tra persone animate da identiche passioni. A rendere ancora più suggestivo l’incontro, la… location: non un ristorante, ma la parte del Teatro Litta attrezzata a ristoro, un luogo gradevole e privilegiato in cui, più che gli aromi della cucina, si annusa e si respira prosa.

  

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A proposito: il Teatro Litta, per chi ancora non lo sapesse, è inglobato al piano terra di Palazzo Litta, complesso edificato tra il 1642 e il 1648 da Francesco Maria Richini per conto del conte Bartolomeo Arese, presidente del Senato di Milano e rappresentante di una delle più influenti famiglie della Milano spagnola. Il teatro è frutto della ristrutturazione di un Oratorio Gentilizio, attribuito allo stesso Richini, consacrato intorno al 1670. Il palazzo è tornato di proprietà dello Stato ventidue anni fa.

«La singolarità della nostra attività» sottolinea non senza una certa (legittima) soddisfazione Gaetano Callegaro, «è da individuarsi principalmente, nel pieno e costante rispetto di livelli qualitativi di assoluta eccellenza degli spettacoli selezionati, nelle modalità di offerta al pubblico milanese».

Inevitabile, a questo punto, chiedere in che consista, in un mondo artistico sempre più indirizzato alla standardizzazione dei cataloghi, tale novità.

«MTM è come una casa editrice, in un certo senso: all’internondella nostra stagione, infatti, sono inserite vere e proprie “collane”: così come, in campo librario, c’è la serie gialla, la narrativa per bambini, la saggistica e magari il rosa, tanto per fare qualche banale esempio, da noi ci sono rappresentazioni comiche, teatro d’avanguardia, drammi, musical, individuabili attraverso percorsi ben delineati».

Chiedo se soltanto questo è il segreto di tanto successo (si è arrivati, nella scorsa stagione a ca. 65.000 presenze che, per dirla tutta, non sono poche neanche per Milano.

«Certo che no» è la prontissima risposta.

«Un altro fattore di successo deriva dalla strategia di richiamo e di fidelizzazione degli spettatori fondata anche su una strategia dei prezzi: abbonamenti che consentono di scegliere otto spettacoli a prezzo contenutissimo tra tutti quelli offerti dai teatri che fanno capo a questa iniziativa»

Prima (e dopo) che Gaetano Callegaro ci facesse da guida all’interno del Teatro e dell’annesso piccolo gioiello chiamato Cavallerizza, di molte altre cose si è discusso: piacevolissime quisquilie come la natura dell’attore, l’immedesimazione nei personaggi, ricordi attinenti alla storia del grande Teatro italiano, e così via.

Di questo, però, vi scriverò (forse) in un’altra occasione.

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  Note:

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MTM svolge il suo programma di spettacoli e iniziative culturali in 3 sale teatrali milanesi:
Il Teatro Leonardo in Piazza Leonardo da Vinci; il Teatro Litta e la Sala la Cavallerizza in corso Magenta 24, unico esempio cittadino –insieme al Piccolo Teatro– di multisala teatrale con una dislocazione in differenti distretti urbani della città.

E, riprendendo alla lettera quanto riportato sul sito ufficiale:

MTM rappresenta una novità storica nel panorama del sistema teatrale milanese perché guarda al futuro. Alle diverse esigenze e gusti del pubblico. Alla pluralità dei linguaggi, delle culture e delle poetiche dei singoli artisti.

Per questo, se pensate a MTM, pensate a qualcosa di diverso.

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Gaetano Callegaro è attore, autore e regista teatrale.

Ha recitato in numerosissimi spettacoli tra i quali:  Lucifero/ Intrigo e amore/ Saro e la rosa/ Il Giardino dei Ciliegi/ Il Gioco dell’amore e del caso/La locandiera/ Rocco e i suoi fratelli/ Il bacio della donna ragno/ Amleto/Villa Rosmer/ Casa di Bambola/Rotweiss Kabarett/ L’aquila bambina reloaded/ Mi ami? do you love me?/ Dormono Dormono sulla collina/ Il Venditore Di Sigari/ Zio Vania/ Napoli 18 carati/ Cruel+Tender (Tenero+Crudele)/ Il Censore (edizioni 2012-2013);

Dal 1976 è stato socio Fondatore della Coop.Teatro degli Eguali – Teatro Litta di Milano, di cui  è dal 1998 Direttore Artistico e Presidente.  

Dal 2012 è Presidente della Fondazione Palazzo Litta per le Arti Onlus, fino al gennaio di quest’anno (2018), allorché ha passato il testimone a Gaia Calimani.

25 Gennaio 2018 | by | Commenti disabilitati su Pranzando in Manifattura… si mastica Teatro alla milanese
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: Antonio Conte, Bartolomeo Arese, Coop.Teatro degli Eguali, Cooperativa Quelli di Grock, Fondazione Palazzo Litta per le Arti Onlus, Francesco Errico, Francesco Maria Richini, Gaia Calimani, Guenda Goria, GuittoMatto, Il venditore di sigari, La Cavallerizza, Manifatture Teatrali Milanesi, Maria Teresa Ruta, Milano, MTM, Palazzo Litta, Patrizio Pacioni, Roma Capitale, Salvatore Buccafusca, Sinceramente bugiardi, Sua Eccellenza è servita, Teatro Leonardo, e Teatro Litta.

Giulio Cesare il Provocatore

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La sfida è ardita. Mettere in scena un dramma di Shakespeare restando fedele al testo ma, al tempo  stesso, affrontando sceneggiatura e scenografie con assoluta libertà d’interpretazione…

… beh, è (e sempre resterà) un’assunzione di rischio pari a quella di una equilibrista che passi da un grattacielo a un altro camminando sul filo d’acciaio, senza che sotto sia stata stesa un’adeguata rete di protezione.

Ad Àlex Rigola, del resto, il coraggio non è mai mancato. Nella trasposizione di «Giulio Cesare» in scena in questi giorni al Teatro Sociale, la provocazione è palese. Sullo schermo cinematografico piazzato al centro del palcoscenico incombente per tutto il primo atto, l’esordio è un filmato che pone agli spettatori un interrogativo che ogni essere umano, in ogni epoca, in ogni angolo del mondo, probabilmente si è posto, si pone e si porrà almeno una volta nella vita: è lecito uccidere in nome di un ideale, qualunque esso sia? In realtà la risposta affermativa è implicita: esiste una sola motivazione idonea a giustificare, a volte richiedere moralmente un omicidio, ed è quella della difesa della propria esistenza, sia in senso individuale che riferito a una collettività.

L’avvio è laborioso, un accostamento difficile da apprezzare immediatamente un po’ come certe contaminazioni della nouvelle cuisine. L’eloquio classico del dialogare shakespeariano, infatti, incontra non poche difficoltà a miscelarsi con le immagini psichedeliche e la musica hard rock che fa da sottofondo. Cambia anche (e mutamenti simili s’incontrano e si affrontano più volte nel corso della rappresentazione) il quesito proposto alla platea: Cesare viene ucciso perché si vuole fare Re? Chissà. Qualunque sia la sua volontà, infatti, è il suo stesso successo, è il suo stesso carisma a incoronar in presenza di competitori chiaramente non alla sua altezza. Questione è quanto mai attuale in un momento politico in cui chi dimostra una spiccata personalità, in Italia più che in altri paesi, diventa un odioso aspirante tiranno.

Insomma, l’impressione è di parole consapevolmente decontestualizzate; un esperimento destabilizzante di chirurgia creativa comprensivo di momento splatter alla morte di Cesare, in cui una mano viene allacciata al posto di un piede e il piede, magari, innestato sul naso, in un’operazione dall’esito incerto tra la nascita di una nuova fantasiosa e originale interpretazione o di un Frankenstein Teatrale.

Proprio nel momento di maggiore smarrimento da parte dello spettatore, però, ecco che il dramma improvvisamente spicca il volo: sono le meravigliose orazioni di Bruto e Marco Antonio la solida base da cui prende slancio e respiro il dramma. “Io ho ucciso il mio migliore amico per il bene di Roma” dice il primo punto “E Bruto è un uomo d’onore, è un uomo della Repubblica” risponde sornione il secondo, mentre tanti, nel teatro si chiedono se un Michele Riondino  in gran spolvero (Marco Antonio, appunto), si riferisca alla prima o alla seconda della nostra ancor giovane, ma già molto travagliata, Italia del dopoguerra.

Il secondo atto, breve e intenso, procede sull’abbrivio del finale corale del primo, concluso con numerosi attori che recitano in platea: la decisiva battaglia di Filippi è un affresco rock, una danza frenetica di morte, un falò di speranze e di ideali infranti, i cui protagonisti, in qualche modo, fino alla fine, più che nemici appaiono come componenti dello stesso macabro coro.

E, alla fine, coerente simbolo e sigillo di quanto agito sul palcoscenico, dietro al muro smantellato dagli orrori della guerra, giace il  paradossale corpo di un gigantesco emoticon morto.

Dalla scenografia ipertecnologica alle musiche covate, dalle danze frenetiche al superamento dei ruoli di genere, opera complessa, che non lascia indifferenti, capace di suscitare negli spettatori reazioni del tutto contrastanti, se non di segno totalmente opposto.

Recitazione di buon livello ma con qualche dislivello. Da vedere, da meditare e da discutere. Il pubblico, intanto, applaude.

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GIULIO CESARE

di William Shakespeare

traduzione Sergio Perosa

adattamento e regia di Àlex Rigola

Interpreti e personaggi

Michele Riondino                                 Marco Antonio

e con

Maria Grazia Mandruzzato               Giulio Cesare

Stefano Scandaletti                               Bruto

Margherita Mannino                            Cassio

Leda Kreider                                          Porzia

Francesco Wolf                                       Casca

Eleonora Panizzo                                 Decio

Eleonora Bolla                                      Metello

Riccardo Gamba                                    Lepido

Laia Santanach                                      Cinna

Beatrice Fedi                                        Ottaviano

Davide Sportelli                                  Servitore

   GuittoMatto

14 Gennaio 2018 | by | Commenti disabilitati su Giulio Cesare il Provocatore
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: Àlex Rigola, Beatrice Fedi, Brescia, CTB, Davide Sportelli, Eleonora Bolla, Eleonora Panizzo, Francesco Wolf, Giulio Cesare, Laia Santanach, Leda Kreider, Margherita Mannino, Maria Grazia Mandruzzato, Michele Riondino, Riccardo Gamba, Sergio Perosa, Shakespeare, Stefano Scandaletti, e Teatro Sociale.

La Napoli (s)velata di Ozpetek

  

 

La Napoli di Ferzan Ozpetek è liquida, collosa, appiccicosa e dolce come marmellata che, con lo scorrere della pellicola ti si spalma prima sugli occhi e poi dentro. Costellata di numeri magici, di simboli, di feticci.

E i napoletani? Sono colti, edonisti, superstiziosi, scaltri, sensuali, morbosi, curiosi, intriganti, fantasiosi, furbi, visionari. Sentimentali e  algidi, rigidi custodi della tradizione, ma spesso anche arditi esploratori dell’incognito e innovatori. Prepotenti e arroganti, ma anche  spaventati dalla casa che da soli, e con l’intervento dei tanti invasori che si sono avvicendatri nel corso dei secoli, si sono costruiti intorno.

Ozpetek osserva tutto con lo sguardo attento di un indagatore e, al tempo stesso, con l’occhio lubrico di un guardone, si compiace di inquadrare con la sua cinepresa corpi bellie  flessuoso e la deformità della pinguedine, dei difetti fisici della devastazione operata dalla vecchiaia. Si sofferma, con maestria, sul degrado dei vicoli e sull’incomparabile fulgore dei tanti tesori d’arte incastonati nel cuore della città, si pasce, e nutre lo spettatore, di miseria e nobiltà.

Una cartolina illustrata, più che una lastra medica, nel non nascosto tentativo di dimostrare a se stesso e a chi va a vedere il film, come, talvolta, sia la prima impressiuone, quella più superficiale a innestare l’istinto che permette di comprendere il tutto.

La vicenda, in sé, l’intrigo che camuffa da giallo quel che, in sostanza, è il racconto di una seduta di psicanalisi è oltremodo complessa e, per essere compresa fino in fondo, necessita, da parte degli spettatori, di un’attenzione costante. Ancora una volta sono i piccoli dettagli che, come le tessere in un mosaico, costruiscono e rendono identificabile l’immagine complessiva.

Tutto è centrato sulla fragilità dell’anatomopatologa Adriana (una languida e grintosa Giovanna Mezzogiorno). Vittima di un improvviso quanto violento colpo di fulmine nei confronti di Andrea (aitante, tenebroso ma anche alquanto legnoso ) reso effimero da un drammatico avvenimento, la donna viene coinvolta, suo malgrado, in un drammatico susseguirsi  di colpi di scena, in un oscuro intrigo intessuto di innominabili segreti, che metterà a dura prova la sua stessa stabilità mentale.

Splendida la fotografia, giusti i tempi narrativi, scanditi da riprese ben calibrate e  montata con grande suggestione. Degni di plauso i protagonisti secondari, capaci di delineare con nettezza i vari personaggi e di rendere corale la narrazione.

Ampio rilievo Ozpetek conferisce alle scene erotiche, di particolare intensità e incisività ma, a mio giudizio, forse troppo compiaciute e comunque, sovraddimensionate rispetto alle effettive esigenze narrative della pellicola.

Nel complesso, decisamente interessante e da inserire nella lista dei film da vedere.

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11 Gennaio 2018 | by | Commenti disabilitati su La Napoli (s)velata di Ozpetek
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: Alessandro Borghi, Angela Pagano, Anna Bonaiuto, Biagio Forestieri, Carmine Recano, Ferzan Ozpetek, Giovanna Mezzogiorno, Isabella Ferrari, Lina Sastri, Loredana Cannata, Luisa Ranieri, Maria Pia Calzone, Napoli, Napoli velata, Patrizio Pacioni, Peppe Barra, e Warner Bros Italia.

Giancarlo Fares: quell’uom dal multiforme ingegno

 

 

 

Settima e ultima intervista dedicata al cast di «Sua Eccellenza è servita», prodotta dalle Ombre di Platone  su testo di Patrizio Pacioni e Salvatore Buccafusca  (che ne è anche interprete insieme ad Antonio Conte, Francesco Sala, Mimma Lovoi, Guenda Goria e Carlo Blanchi). Ultima ma non ultima, come suol dirsi, anzi, tutt’altro, visto che è venuto il momento di conoscere più da vicino il regista, Giancarlo Fares.

 

 

 

 

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Giancarlo Fares, attore, regista, in una parola uomo di teatro al 100%. Ci sei nato… o ci sei diventato?

Ci sono diventato. Ho studiato e studio ancora per essere un bravo artigiano.

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Attore drammatico, comico, surreale, perfino ballerino. Se Tu dovessi scritturare uno come Te, per quale tipo di spettacolo valuteresti il suo ingaggio?

Mi piace tanto il gioco e l’ironia. Credo di essere adatto a ruoli tragicomici. Sono quelli che mi piacciono di più e che forse mi riguardano.

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Meglio un rimorso che un rimpianto, dice più di qualcuno. Racconta, della Tua vita professionale un episodio che ti riporti al primo e un altro al secondo. E aggiungici, per favore, anche un terzo episodio: un successo di cui vai particolarmente orgoglioso.

I rimorsi sono legati principalmente agli errori. Ho sbagliato tanto in passato e quindi di episodi ce ne sarebbero, ma preferisco non entrare nello specifico. I rimpianti sono la peggiore cosa della vita, sono i principali generatori di infelicità ed è per questo che cerco di non averne. Bisogna essere felici. La ricerca della felicità è il compito principale di ognuno di noi. Quando è il momento bisogna scegliere e avere coraggio. Altrimenti il tempo passa e nessuno può restituirtelo. Il successo di cui vado fiero è LE BAL. Erano 10 anni che provavo a realizzarlo. Ed ora spero che duri a lungo. 

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Tra le tante figure importanti (attori, registi, direttori di teatro, impresari) che hai incontrato nel corso della tua carriera, ce n’è una alla quale, per qualsiasi motivo, ti senti particolarmente legato? 

Sono legatissimo ai miei tre maestri: Aldo Rendine, il mio primo maestro dell’Accademia Scharoff, Eugenio Barba, uomo e teatrante straordinario di cui sono fieramente amico e Anatolij Vassiliev il quale mi ha insegnato molto sia del teatro che della vita.

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Con Te, che sei il regista di «Sua Eccellenza è servita» (splendidamente accolta dal pubblico del Teatro Boni di Acquapendente, domenica scorsa, in occasione della prima), voglio ora tentare un nuovo esperimento. Ho attinto dalle Tue suggestive “note di regia” estrapolando alcune frasi che… trasformerò in domande necessariamente decontestualizzate. Cominciamo dalla prima: «Sappiamo quello che siamo ma non sappiamo quello che potremmo essere». Vero. Ma c’è chi non sa, né mai saprà, chi è realmente.

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Questa frase è del grande Shakespeare. Non sapere di sé è un pericolo assoluto. Bisogna imparare a conoscersi. E a riconoscere negli altri noi stessi. Bisogna vivere di amore e in empatia con ciò che ci circonda. Altrimenti la vita è una solitudine assoluta mascherata da qualcos’altro.

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E veniamo alla seconda: «Il sottile confine tra attore e personaggio viene valicato con l’intento di ricordarci che dietro ogni maschera c’è sempre un uomo che la indossa», scrivi. Ma se ogni essere umano porta una maschera, e l’attore indossa una maschera ogni sera per impersonare un essere umano diverso, cosa resterà della vera identità di un attore?

L’attore quando interpreta parla di sé. Sempre. Scova interpretando tutte le infinite possibilità della sua anima. La vita talvolta è limitata ad alcune circostanze. Il teatro offre possibilità esplorative che talvolta non abbiamo. Il tutto nel gioco, la meravigliosa forma espressiva dei bambini, che quando giocano sono assolutamente veri. L’identità è l’individuo. Che presta all’attore tutto, ma che è altro dall’attore.

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Tra poco sarà il momento di chiedere i regali a Santa Klaus. Cosa vorrebbe trovare Giancarlo sotto l’albero?

Ci sono doni che attendo ancora, altri che forse sono già arrivati. Mi aspetto soltanto ciò che possa rendermi felice. Mi aspetto ciò che possa regalarmi un sorriso.

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E per finire: quale frase utilizzeresti per convincere il tuo migliore amico ad andare a teatro per vedere «Sua Eccellenza è servita?»

Vieni a teatro. Vieni a vedere questo spettacolo fatto con il cuore,  da persone che il cuore lo hanno grande grande. Vieni a fare festa con noi.

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Dunque, se a questo punto non vi sono venute la voglia e la curiosità di conoscere più da vicino l’artista e ciò che Egli sa fare uscire da un (buon) testo e dalla propria creatività/professionalità, andando a vedere al Teatro Cyrano una delle quattro repliche romane di  «Sua Eccellenza è servita», beh, allora vi meritate solo soporifere tele-serate da Grande Fratello Vip.

Ops l’ho detto. Anzi, l’ho scritto.

E, come si sa, se le parole volant, gli scripta manent.

Anche e soprattutto in teatro.

 

  GuittoMatto

5 Dicembre 2017 | by | Commenti disabilitati su Giancarlo Fares: quell’uom dal multiforme ingegno
Categorie: Teatro & Arte varia.
Tag: Accademia Scharoff, Acquapendente, Aldo Rendine, Antonio Conte, Associazione Culturale Le Ombre di Platone, Eugenio Barba, Guenda Goria, GuittoMatto, Le Bal, Marco Blanchi, Mimma Lovoi, Patrizio Pacioni, Pirandello, Roma, Salvatore Buccafusca, Salvo Buccafusca, Santa Klaus, Sua Eccellenza è servita, Teatro Boni, e Teatro Cyrano.