Antonio Conte: «Sono innamorato del palcoscenico. E con ciò?»

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In «Sua Eccellenza è servita», commedia scritta da Patrizio Pacioni e Salvatore Buccafusca per la regia di Giancarlo Fares, che andrà in scena per la prima volta al Teatro Boni di Acquapendente (il 3 dicembre) e subito dopo al Teatro Cyrano di Roma (dal 7 al 10) dicembre, Antonio Conte si calerà nei panni di un singolarissimo vescovo.

Questo vi basti, per ora. Il resto di Antonio lo capirete dalle risposte che ha fornito alle mie domande.

 

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Circa trent’anni di carriera tra palcoscenici e set. Nel frattempo, il mondo è cambiato rapidissimamente, a detta di molti non in senso migliorativo. Per quanto riguarda l’evoluzione del mondo dello spettacolo, segnatamente quello nazionale, nello stesso arco temporale, qual è la tua sensazione “dall’interno”?

Per certi aspetti lo vedo migliorato per altri decisamente “deteriorato”.

 

Andando più nel dettaglio?

Una volta, diciamo fino agli anni ’80, il teatro, il cinema e la tv erano punti di arrivo; oggi, invece, costituiscono solo punti di partenza nella ricerca della “notorietà”. In buona sostanza la pratica teatrale si è equiparata, in questo, a quella della tv che, nel frattempo, a seguito dell’avvento di certe emittenti private, ha abbassato notevolmente il proprio livello qualitativo, scivolando in una spirale da eterno, melenso «Grande Fratello»”. A ciò si aggiunge un pessimo uso delle nuove tecnologie: l’avvento dell’ Archetto, tanto per fare un esempio, ha fatto sì che, anche in teatri dotati di un’ottima acustica, gli attori si siano orientati a affidarsi alla comoda (ma a mio avviso mistificatoria) scorciatoia dell’amplificazione elettronica. Un po’ come nella musica, insomma: grazie alla tecnologi può cantare anche una voce da rospo ma mi chiedo… questo è davvero buono e giusto?

Fin qui tutto negativo, mi pare.

Un lato positivo c’è: sta emergendo, da qualche anno a questa parte, molta drammaturgia nuova, firmata da autori contemporanei e, in molte occasioni, giovani di straordinario talento.  Anche qui, però, non mancano le controindicazioni: da una parte una permanente diffidenza da parte del pubblico verso ciò che non è “classico”, dall’altra (e questo è davvero un punto dolente), perché c’è una sconcertante penuria di validi produttori, capaci d’individuare e di promuovere le vere eccellenze emergenti.

Questa della carenza di impresari all’altezza è una recriminazione che non sei il primo a fare…

 

Oh, improvvisarsi produttore teatrale è qualcosa che possono fare tutti, in questo momento di crisi che porta gli operatori del settore ad accettare, pur di lavorare, anche trattamenti non conformi a quanto previsto dal contratto nazionale o, bene che vada, alla corresponsione sistematica e pressoché indifferenziata del minimo sindacale.  Tutti possono farlo, riducendo all’osso il rischio finanziario, attraverso la non puntuale applicazione del contratto nazionale o, quando va bene. con l’applicazione sistematica del minimo sindacale. Ciò, naturalmente, finisce con il livellare (al ribasso) anche la qualità attoriale media. Come dire che “non si possono fare le nozze con i fichi secchi”, insomma. A ciò si aggiunge che, a parte quanto si verifica per poche compagnie,  le rappresentazioni sono generalmente costituite da un ridotto numero di repliche: ho visto spettacoli che, per quanto ottimi, sono stati messi in scena solo per il brevissimo spazio di un weekend, per essere poi abbandonati. Ciò costringe l’attore, per riuscire a sbarcare il lunario, a impegnarsi ogni anno per 4/5 spettacoli, con ovvii risultati sulla preparazione di ognuno di essi.

 

 

Teatro, cinema e tv. Nel Tuo curriculum c’è davvero di tutto e di più: dal brillante al drammatico, dall’operetta alla realizzazione di spot pubblicitari per marchi prestigiosi. Se mi è consentita la similitudine, sei come un nuotatore che si presenta alle Olimpiadi cimentandosi in tutti gli stili e su tutte le distanze. Ma quali sono davvero le preferenze artistiche di Antonio Conte?

Il Teatro, tutta la vita:  da una parte perché è la modalità di espressione artistica con la quale  ho avuto a che fare nel maggior numero delle occasioni, dall’altra (soprattutto) perché stare in palcoscenico, dovermi confrontare ogni giorno con il pubblico, anzi ogni giorno con un pubblico diverso, mi stimola in modo incredibile. Senza spettatori non c’è Teatro, dunque per il pubblico bisogna nutrire assoluto rispetto e profondere il massimo impegno, in ogni occasione.

 

Definisci in poche parole cosa significa, per Te, “fare l’attore”

Una grande possibilità che la vita assegna a me e agli altri che sono come me. L’impagabile possibilità di dimenticare (pur se momentaneamente)  i problemi e le angosce del reale,  trovando rifugio nell’esistenza di un personaggio, che si trasforma in qualcosa di straordinariamente liberatorio quanto più si riesce nell’immedesimazione. E, paradossalmente, ciò avviene anche quando il personaggio che ci si trova a dover interpretare è tragico sfigato come Amleto o squallido come Fantozzi.

 

Parliamo della parte “comica” del tuo curriculum. Hai lavorato con comici del calibro di Bramieri, Verdone, Panariello, Cristian De Sica, Brignano, Insegno, Montesano, Dorelli, Vianello, Arena… e mi fermo qui altrimenti rischiamo di fare notte. Possibile che, nel corso delle prove, o delle riprese, non ti sia mai capitato di scoppiare a ridere?

È successo, ma molto raramente, diciamo che potrei contare le occasioni sulle dita di una sola mano. Vedi, agli esordi della mia carriera ho ricevuto da un grande Mario Carotenuto (con cui ho lavorato per 5 anni. per centinaia di repliche) una educazione piuttosto severa: un autentico professionista del palcoscenico, di una rigidità e di una serietà incredibile. Un altro maestro che si è rivelato piuttosto esigente è stato Carlo Croccolo: in una rappresentazione del «Miles Gloriosus», in cui ero stato cooptato all’ultimo momento, per farmi notare una mia disattenzione, mi colpì, addirittura, in scena. Beh, non ci crederai, ma per quel gesto lo ringrazio ancora e  continuo ad amarlo alla follia.

 

Pochi, credo, conoscono la realtà teatrale di Roma come Te. Vista da fuori, la Capitale sembra, per così dire, discretamente strutturata sia per numero di locali che per varietà di offerta spettacolare. Le cose stanno davvero così? Cosa si potrebbe fare, a Tuo avviso, per migliorare ulteriormente la situazione?

Roma dispone effettivamente un’imponente offerta teatrale, più o meno come e quanto, in proporzione, le altre maggiori grandi città italiane. Come le altre patisce degli identici problemi. Da parte di “chi comanda” si potrebbe forse supportare con maggiore generosità quel  teatro di qualità che non risulta inserito nei soliti grandi circuiti e, soprattutto distribuire i contributi con maggiore equità e oculatezza e vigilare con la dovuta attenzione sulla correttezza dell’utilizzo dei fondi stanziati.  Certo, per finanziare chi lo merita davvero, bisogna conoscere il “mercato” e valutare chi vale e chi no, e questo, per essere sinceri e purtroppo, non sempre fa parte del bagaglio conoscitivo di ceri amministratori.

 

Stai per cominciare una nuova avventura con «Sua Eccellenza è servita», scritta da Patrizio Pacioni e Salvatore Buccafusca per la regia di Giancarlo Fares che il prossimo dicembre esordirà, in prima nazionale, al Teatro Boni di Acquapendente, diretto dall’effervescentissimo Sandro Nardi. Si può avere qualche piccola anticipazione / indiscrezione?

Finalmente riesco a lavorare con Giancarlo! Fares è uno di quelli che (tornando all’inizio) rispetta il pubblico e soprattutto conosce il modo di trasportarlo in un mondo diverso, in uno stato di benessere che solo lo spettacolo può fornire. Proprio in questi giorni sta riscuotendo un enorme successo a Milano con il suuo fantastico «Le Bal», in tournée da tempo in tutta Italia.

Tornando a «Sua Eccellenza è servita», Il testo è interessante, originale e scritto bene, i personaggi sono ben delineati: insomma, noi attori  ci divertiremo molto, sperando che si diverta molto  anche il pubblico.

 

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Progetti in corso e futuri.

Sto lavorando per la realizzazione di serie televisiva molto divertente con avanzamento stato di lavori piuttosto buono. Poi c’è  «Ieri è un altro giorno» con Gianluca Ramazzotti, Antonio Cornacchione e Milena Miconi, un testo moderno scritto molto bene da due autori francesi Sylvain Meyniac e Jean Francois Cros. Nella pièce, ambientata in uno studio di avvocati si racconta (con effetti speciali e flash back molto insoliti per il palcoscenico) una situazione piuttosto insolita… e spassosa. Saremo in scena dal 5 al 22 aprile al Martinit di Milano e dal 26 aprile al Manzoni di Roma

 

Niente da aggiungere?

Come mia abitudine, in queste occasioni, colgo occasione per  ringraziare chi, pur non dovendomi nulla, ha avuto la bontà di farmi del bene. In particolate il Maestro Landi (conosciuto al Teatro dei Satiri per «Omicidio a mezzanotte»: accompagnando l’amica Nadia Rinaldi, con cui lavoravo insieme, per un provino, ebbi occasione di coadiuvarla in un pezzo a due che si trasformò poi, inaspettatamente, in una specie di happening in cui mi trovai a ballare, al suono di un pianoforte, con Marisa Laurito… e in un positivo provino anche per me. Ai ringraziamenti aggiungo Paolo Triestino con cui ho fatto «Grisù, Giuseppe e Maria»  e che più volte si è offerto come mio garante per la partecipazione a spettacoli di grande spessore e bellezza, come «Brividi in arrivo»

 

Qualcuno da salutare?

Tutti quelli che mi seguono, ai quali do appuntamento il prossimo 3 dicembre al Teatro Boni di Acquapendente per la prima e a Roma dal 7 al 10 dicembre al nuovissimo Teatro Cyrano per le repliche (le prime di una lunga serie, ci si augura) di «Sua Eccellenza è servita», naturalmente. Ah, l’invito è esteso anche a coloro che ancora non mi seguono… ma che presto cominceranno a seguirmi, oh se mi seguiranno!

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IL CURRICULUM DI ANTONIO CONTE

(e scusate se è poco)

TEATRO

  • 2012/13 “Cicchignola” – S. Giordani
  • 2012/13 “La cena”  – C.Boccaccini
  • 2012/13 “Finchè vita non ci separi” – V.Gasbarri
  • 2011/12 “Una volta nella vita” – F. Della Corte
  • 2011/12 “Pericolo di coppia” – C.Insegno
  • 2010/11 “La Marcolfa”  – C.Simoni
  • 2010/11 “Il giro del mondo in 80 giorni” – G. Ramazzotti
  • 2009/11 “La strana coppia” – F. Tavassi
  • 2008/09  “Una pillola per piacere” – C.Insegno
  • 2007/08 “RIsate al 23° piano” -C.Insegno
  • 2007/08 “Pazzi in partenza” – A.Santos
  • 2007/08 “Il re di New York” – C.Insegno
  • 2007/08 “Grisù,Giuseppe e Maria” – N.Pistoia
  • 2007/08 “S-Cena con delitto” – R.Bonacini
  • 2005/06 “Arsenico e vecchi merletti” – A.Corsini
  • 2005 “RICCARDO III” – N. La dogana
  • 2005 “L’OSPEDALE PIÙ PAZZO DEL MONDO” – C. Insegno
  • 2005 “ARSENICO E VECCHI MERLETTI” – A. Corsini
  • 2004 “AL MOULIN ROUGE CON TOULOUSE LAUTREC” – W.Manfrè
  • 2004 “BRIVIDI IN ARRIVO” – M. Fallucchi
  • 2004 “PER TE… PER NOI… PER CLYDE” – D.Belfiore
  • 2004 “IL MALATO IMMAGINARIO” – R. Laganà
  • 2004 “GLI ALLEGRI CHIRURGHI” – C. Insegno
  • 2004 “RICCARDO III” – N. La dogana
  • 2003 “LA BATTAGLIA DI CERIGNOLA” – N. La dogana
  • 2003 “UN DUE TRE…OH…TELLO!” – R. Della Casa
  • 2003 “ACCADDE A MOMPEO” – O. Borgia
  • 2002 “LA STRANA COPPIA” – G. Zampieri
  • 2002 “RICCARDO III” – N. La dogana
  • 2002 “CITY READING – RING” – A.Baricco
  • 2002 “CAVALLERIA, DA VERGA A MASCAGNI” – N. La dogana
  • 2002 “LA BOHÈME DA MURGER A ILLICA E GIOCOSA” – N. La dogana
  • 2001 ”SARTO PER SIGNORA” – N. La dogana
  • 2001 ”GALILEO GALILEI” – N. La dogana
  • 2001 “NEROTANGOROSSOSANGUE” – D. Belfiore
  • 2001 “LA TOSCA TRA SARDOU E PUCCINI” – N. La dogana
  • 99/00 “UN MANDARINO PER TEO” – G. Landi
  • 99/00 “PALLOTTOLE SU BRODWAY” – R. Giordano
  • 98/99 “L’IMPERO DEI SENSI DI COLPA” – D. Camerini
  • 98/99 “PALLOTTOLE SU BROADWAY” – E.M.Lamanna
  • 98/99 “I VERI FIGLI DI FILUMENA M.” – E. M. La manna
  • 1996 “NOTTURNO DI DONNA CON OSPITI” – E.M. La manna
  • 92/93 “DRACULA IL MUSICAL” – L. Lerici
  • 93/94 “LA BOTTEGA DEL CAFFÈ” – N. La dogana
  • 94/95 “IL TACCHINO” – G. Sepe
  • 91/92 “OMICIDIO A MEZZANOTTE” – E. M. La manna
  • 91/92 “I NUOVI TRAGICI” – P. De Silva
  • 90/91 “OMICIDIO A MEZZANOTTE” – E. M. La manna
  • 90/91 “ULTIMAMENTE HO DOPPIATO UN TOPO” – P. De Silva
  • 90/91 “LULÙ” – T. Brass
  • 89/90 “UN CAPPELLO DI PAGLIA DI FIRENZE” – N. La dogana
  • 89/90 “MILES GLORIOSUS” – C. Croccolo
  • 87/88 “L’AVARO” – N. La dogana
  • 87/88 “FALSTAFF E LE ALLEGRE COMARI DI WINDSOR” – N. La dogana
  • 86/87 “IL MERCANTE DI VENEZIA” – N. La dogana
  • 85/86 “IL MERCANTE DI VENEZIA” – N. La dogana
  • 85/86 “LA LOCANDIERA” – N. La dogana
  • 85/86 “L’AULULARIA” – N. La dogana
  • 84/85 “SUL CANAPÈ” – N. La dogana
  • 84/85 “VERSO…CARRIERI” – E. Toscano
  • 84/85 “LA CELESTINA” – N. La dogana
  • 1984 “IL VIAGGIO INCANTATO” – F. Passatore
  • 82/83 “UNA DIABOLICA INVENZIONE” – A. Trionfo
  • 82/83 “QUESTA SERA DA TOSTI” – G. Navello

OPERETTE

  • 2004 “PAGANINI”  – G.Landi
  • 2002 “LA VEDOVA ALLEGRA” G.Landi
  • 1995/96 “LA PRINCIPESSA SISSI” G.Landi
  • 1995 ” LA PRINCIPESSA DELLA CZARDAS”  G.Landi
  • 1994  “LA VEDOVA ALLEGRA” G. Landi

CINEMA

  • 2004 “TI DISPIACE SE BACIO LA MAMMA?” – A.Benvenuti
  • 2002 “NATALE IN INDIA” – Neri Parenti
  • 2002 “L’AMORE TARDI” – A. Benvenuti
  • 2001 ”CAVALCANDO LA TIGRE” – C. Mazzacurati
  • 2000 ”SI FA PRESTO A DIRE AMORE” – E. Brignano
  • 2000 ”GLI ASTRONOMI” – D. Ronsisvalle
  • 2000 ”MARI DEL SUD” – M. Cesena
  • 1999 “TIFOSI” – N. Parenti
  • 1999 “C’ERA UN CINESE IN COMA” – C. Verdone
  • 1998 “BAGNO MARIA” – G. Panariello
  • 1996 “GRATTA E VINCI” – F. Castronuovo
  • 1996 “BELLA CIAO” – X. Schwarzenberger
  • 1995 “NINFA PLEBEA” – L. Wertmuller
  • 1991 ”COSI FAN TUTTE” – T. Brass

TELEVISIONE

  • 2013 “DONNE, VITTIME E CARNEFICI” – L.Alcino
  • 2012 “VEDETTO FINALE” – L.Alcino
  • 2007 “IL COMMISSARIO DE LUCA” – A. Frazzi
  • 2008 “LO SMEMORATO DI COLLEGNO” – M. Zaccaro
  • 2006 “UN POSTO AL SOLE D’ESTATE” – F. Sabbioni
  • 2005 “PADRI E FIGLI” – Gianfranco Albano
  • 2005 “CAMERA CAFFÈ” – C.Sanchez
  • 2005 “AL POSTO TUO” – F.Bianca
  • 2003 “DON LUCA” – D.Pisani
  • 2003 “IL MARESCIALLO ROCCA 4” – G. Capitani e F. Jephcott
  • 2003 “LA SQUADRA” – M. Caffo
  • 2001 “DISTRETTO DI POLIZIA” – A. Grimaldi
  • 2001 “IL COMMISSARIO” – A. Caponi
  • 1999 “UN POSTO AL SOLE” – V. Terracciano
  • 1999 “L’ISPETTORE GIUSTI” – S. Martino
  • 1998 “SQUADRA MOBILE-SCOMPARSI” – C. Bonivento
  • 1998 “PAPERISSIMA” – S. Arruffi
  • 1997 “DUE PER TRE” – R. Valentini
  • 1997 “MAMMA PER CASO” – S. Martino
  • 1997 “IO E LA MAMMA” – F. Gasperi
  • 1997 “CASCINA VIANELLO” – G. F. Lazotti
  • 1997 “GLI EREDI” – J. Dayan
  • 1997 “DISOKKUPATI” – F. Di Rosa
  • 1996 “IO E LA MAMMA” – F. Gasperi
  • 1996 “CARRAMBA CHE SORPRESA” – S. Japino
  • 1996 “QUEI DUE SUL VARANO” – S. Arruffi
  • 1994 “NONNO FELICE” – G. Nicotra
  • 1992 “IL GRANDE CIRCO DI RETE 4” – M. Rabissi
  • 1992 “BELLEZZE AL BAGNO” – G. Landi
  • 1992 “SERATA D’ONORE” – G. Landi
  • 1985 “LA CELESTINA” – D. Perego
  • 1984 “1914 LE RADIOSE GIORNATE” – M. Leto
  • 1983 “GUIDO GOZZANO” – G. Casalino
  • 1983 “IL PROCESSO MATTEOTTI” – G. Casalino

 

   Guitto Matto

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Chi ha detto che non ci sono più i Gentiluomini di una volta?

      La storia

Scritta tra il 1592 e il 1594 è una delle prime opere scritte da Shakespeare, una pièce tragicomica, effervescente e suggestivamente discontinua. Vicenda complessa che vede come protagonisti i due giovani amici Valentino e Proteo. Il primo, partito da Verona per stabilirsi a Milano, incontra la bella e ricca dama Silvia di cui, ricambiato, s’innamora. Proteo, andando a trovare l’amico, nonostante abbia lasciato a Verona la fidanzata Giulia, si innamora anch’egli di Silvia. Giulia, messa in allarme dal suo intuito femminile, si presenta a Milano mascherandosi da uomo. In un concitato quanto intricato epilogo, Valentino e Proteo (che tenta di rapire Silvia) si affrontano nella foresta. Valentino libera la donna ma,  in nome dell’amicizia, rinuncia a lei in favore dell’altro. Proteo, però, in nome dello stesso sentimento, a sua volta rinuncia a Silvia e torna da Giulia. Un lieto fine, o forse no.

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    L’opera

Il sipario si apre su una scenografia essenziale, ma di grande suggestione: una costruzione modulare dai colori desertici, mimetici, lunari, virati in un gialloverde coloniale.

Si comincia con una separazione che non è soltanto l’ìinizio di una frattura tra due amici, inevitabile epilogo di certi forti sodalizi giovanili, soprattutto maschili, ma anche l’inizio dell’ennesima battaglia dell’eterno conflitto tra sentimenti e valori spesso contrastanti, come quelli dell’amicizia e dell’amore.

Quell’amore che, nella visione shakespeariana rappresenta il più potente motore di vita.

Quell’amore che non è esattamente ciò che il drammaturgo intende raccontare, ma quel che il pubblico del suo tempo vuole vedere e vivere dalle proprie poltrone: sentimento tragico e romantico, dominatore di cuori e di coscienze, inesorabile aggressore dell’anima che colpisce più duramente proprio chi meno sembra credere nella sua potenza.

Quell’amore, che però, probabilmente, il Grande Bardo guardava con altri occhi, molto più freddi e razionali. Un paravento, o piuttosto un comodo pretesto, utile a mascherare, dietro al più esasperato romanticismo, pulsioni carnali e istinti di possesso e di dominio. Un veleno dolceamaro che morde il ventre prima e più ancora di intossicare il cuore. Fonte di corruzione, in casi estremi,  e di efferati comportamenti: è il caso del gesto ignobile di Proteo, che arriva a donare come pegno d’amore alla nuova passione, Silvia, proprio l’anello ricevuto in regalo allo stesso titolo dalla fidanzata Giulia. 

Si respira una consistente e popolare carnalità in questa pièce, studiatamente sguaiata, in certi casi, al non nascosto scopo di catturare attenzione e applausi suscitando ilarità negli spettatori di ogni ceto sociale e popolare che si accalcavano nei polverosi teatri del sedicesimo secolo londinese. Un compromesso utile e necessario, mirato a trasmettere e dfare passare messaggi di ben più ampio respiro.

Perché il giovane e ancora acerbo drammaturgo William Shakespeare si mostra e si dimostra ne «I due gentiluomini di Verona» già in tutto il suo talento di narratore dall’immensa capacità di scrittura teatrale. Quasi un mostro, in riferimento all’età anagrafica, visto che, nelle pieghe della narrazione, lo si scopre già dotato, a dispetto della tenera età,  di tutta la saggezza del mondo.

Poi, però,  (per fortuna), arriveranno la maturità e la vecchiaia a fare, a Lui e a noi, un contraddittorio quanto inestimabile dono; quello della straordinaria, visionaria, fresca e giovanissima follia che ne fa il Genio insuperato e forse insuperabile della drammaturgia mondiale.

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   Lo spettacolo  (PH Serena Pea)

Ciò che colpisce di più in questa rappresentazione è la straordinaria omogeneità di recitazione che Giorgio Sangati (responsabile anche di questa versione italiana della commedia) riesce a ottenere  dal suo cast, composto di attori di elevato livello professionale. Un compito che il regista non si accontenta di svolgere in modo pulito e ordinato, impegnandosi in azzeccate e del tutto originali trovate sceniche e narrative.

Dall’accattivante prestazione della guest star a quattro zampe (il cane Charlie, molto ben calato nel ruolo), all’introduzione di certi “modernismi” stimolanti ma mai invadenti sia nel linguaggio che nei movimenti, alla originalissima idea del mantenimento in scena nel corso dell’intervallo di uno stoico Ivan Aloisio (Valentino) capace di rimanere immobile come una statua, in piedi al centro del palcoscenico per tutta la durata dell’intervallo, la discontinuità narrativa di questa pièce viene trasformata in un susseguirsi di stimoli capaci di far digerire in modo del tutto indolore al pubblico la lunga durata della commedia.

Tutti perfettamente all’altezza gli attori, a partire dal già citato AloisioFausto Cabra (Proteo) la cui breve intervista concluderà questa recensione.

Delle scene di Alberto Nonnato si è già detto, splendidi i costumi di Gianluca Sbicca, perfette (e questa non è una novità) le luci di Cesare Agoni.

Applausi meritati, prolungati e convinti per una partenza “ufficiale” della stagione 2017/2018 che meglio di così non poteva andare.

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Versione italiana e regia di Giorgio Sangati

Scene di Alberto Nonnato 

Luci di Cesare Agoni

Costumi di Gianluca Sbicca

Con: Fausto Cabra, Ivan Alovisio, Camilla Semino Favro, Antonietta Bello, Luciano Roman, Gabriele Falsetta, Paolo Giangrasso, Ivan Olivieri, Giovanni Battista Storti, Chiara Stoppa, Alessandro Mor, Diego Facciotti.

e con la partecipazione straordinaria di Charlie

 

Produzione del CTB Centro Teatrale Bresciano  con Teatro Stabile del Veneto-Teatro Nazionale.

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    Che ne dice Proteo (ovvero Fausto Cabra  *)

«Ci tengo a rendere giustizia a un testo che, secondo me va inserito a pieno titolo tra i grandi capolavori di Shakespeare, e che collocherei tra i più avanguardistici scritti dal Grande Bardo. Un vero e proprio inizio di una rivoluzione destinata a cambiare non solo la storia del Teatro.

Quando ho cominciato a lavorarci l’impressione (e l’emozione) è stata quella di scoprire qualcosa di assolutamente nuovo, come se fosse saltato fuori un inedito shakespeariano.

Tutti noi del cast ci siamo sentiti e ci sentiamo responsabili della messa in scena un testo totalmente dimenticato. E di cercare di fargli giustizia. Personalmente lo considero un autentico capolavoro di libertà drammaturgica che solo oggi forse può essere conmpreso e pienamente apprezzato, anche negli aspetti più misterici.»

 

 

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Con l’importante “bagaglio” di una preparazione attoriale di prim’ordine sulle spalle, Fausto Cabra nel 2005 riceve il Premio Salvo Randone  come Miglior Giovane Attore Neodiplomato italiano. Lavora in diversi spettacoli prodotti dal Piccolo Teatro con la regia di L. Ronconi, ma anche R. Carsen, E. D’Amato, E. Bronzino, G. Sangati e C. Simonelli. Per il Teatro Stabile di Torino ha partecipato a varie produzioni, incontrando diversi registi: K. Arutyunyan W. Le Moli V. Arditti E. Malka e Claudio Longhi, con il quale collaborerà x molti anni anche in altri enti stabili, tra cui l’ERT e il Teatro di Roma. Dal 2006 collabora costantemente con Ricci/Forte in “Troia’s Discount”, “100% Furioso”, “Macadamia Nut Brittle”, come attore o assistente regia. Nel 2007 si aggiudica il Premio Ernesto Calindri  come Miglior Attore Emergente. Con Y. Ferrini recita in “Onora il padre e la madre” regia F.Olivetti. Nel 2010 comincia la collaborazione con il Globe Theatre di Roma, prendendo parte a “Molto Rumore Per Nulla” con la regia L. Scaramella ed a “Romeo Giulietta” regia Gigi Proietti nel ruolo di Mercuzio. Tra 2011 e 2012 inizia la collaborazione con Israel Horovitz e la sua compagnia italiana. Collabora con giovani compagnie emergenti, Piano In Bilico e Gli Incauti. Continua a tenere viva la collaborazione con il Piccolo Teatro di Milano partecipando ad una serie di Lab. con il Maître F. Jaibi. Nell’estate 2012 incontra grazie alla Biennale Teatro il Maestro D. Donnellan, con cui lavorerà per 2 estati consecutive. Torna a collaborare con Luca Ronconi nelle estati 2012/13. Dal 2012 collabora con il CTB (CentroTeatraleBresciano) in 3 spettacoli con la regia di E. Bucci e M. Sgrosso, e poi con la regia di D. Salvo. Incontra nel 2014 G. Bisordi in “La Vita Agra” e “Actarus”.
Al cinema ricopre il ruolo principale in “L’estate d’Inverno” e “In guerra” di D. Sibaldi. È tra i protagonisti di “Lehman Trilogy”,  regia L. Ronconi.

 

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  (PH Serena Pea)

 … e tanti saluti da Charlie, naturalmente !

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   GuittoMatto

 

Categorie: Teatro & Arte varia.

Giovani attori per un antico testo

Stamattina, nel foyer del CTB, serrata conferenza stampa in occasione del vero debutto della stagione teatrale 2017-2018 con «I due gentiluomini di Verona», dopo il gustoso antipasto servito al Santa Chiara con «Curamistrega».

La notizia più curiosa è che nella recita di «I due gentiluomini di Verona» c’è un attore che è un autentico cane. Per di più, invece di nascondersi per sfuggire al pubblico ludibrio, stamattina ha avuto la bestiale impudenza di presenziare alla rituale conferenza stampa tenuta al CTB, seduto in primissima fila.

Anzi, più che seduto, sarebbe meglio dire accucciato.

Eccolo qui, ripreso accanto a Patrizio, e il mistero è svelato.

Il mistero sì, ma resta la curiosità anche di vedere la qualità della sua recitazione, che ci terremo fino a martedì sera..

Veniamo alla conferenza stampa, introdotta dai saluti del padrone di casa  Gian Mario Bandera, che sottolinea le ragioni e la finalità di questo spettacolo diretto e recitato, per la gran parte del cast, da giovani talenti. Dopo di che sottolinea come la co-produzione dello spettacolo con il Teatro Stabile del Veneto sia nel solco di una sempre più decisa ricerca di sinergie con i più prestigiosi teatri nazionali.

Prima che la parola passi al regista,  il professor Luigi Mahony riferisce, giustamente compiaciuto, che, essendo stato già raggiunto il numero di abbonamenti registrato nella precedente stagione (a sua volta record) la ragionevole previsione è quella di consuntivare, a bocce ferme, un ulteriore incremento del 10%.

L’intervento di Giorgio Sangati prende le mosse dalla soddisfazione di aver potuto dirigere un cast di grande livello, che si è lasciato totalmente coinvolgere nel progetto.

(PH_Umberto Favretto)

 

«Questa rappresentazione è un autentico punto di svolta nel pensare il Teatro, trattandosi non di uno Shakespeare minore, ma di uno Shakespeare da indagare, attraverso quest’opera che, con ogni probabilità, è la prima scritta e messa in scena dopo l’arrivo a Londra» afferma convinto, prima di passare a un’analisi per così dire più “tecnica” della commedia.

«Si tratta di un’analisi del rapporto tra uomo e lealtà, intesa come atteggiamento con il prossimo, certamente, ma anche e soprattutto con se stessi. Posso aggiungere che è nella discontinuità (di ambientazione, di ritmo, di tensione emotiva, che va individuata l’assoluta eccezionalità dell’opera. Una discontinuità che riflette, a ben pensarci, proprio ciò che accade nelle vite degli uomini, assai raramente ordinate da una regia lineare. Si tratta di una commedia, sì, che contiene in sé, però, una potente drammaticità, miscelando, come solo Shakespeare sa fare, l’ “alto” con il “basso” dell’anima umana »

Non può mancare, prima del congedo, qualche parola su Charlie, l’attore quadrupede:

«La sua presenza intende ricordare continuamente, sia agli attori che al pubblico, che l’uomo altro non è che un animale reso civile dalle convenzioni»

Una breve divagazione (mia) sulle c.d. opere prime dei grandi artisti: vedo la produzione di uno scrittore o di un drammaturgo come un palazzo del quale, le prime realizzazioni creative, costituiscono le pietre angolari sulle queli si eroge poi, anno dopo anno, lavoro dopo lavoro, grandi palazzi di meravigliosa bellezza. Se questo concetto passa, ne deriva però che, per ammirare le rifiniture, i fregi, i marmi e gli stucchi che compongono la costruzione finale, non si possa prescindere dal riconoscere agli esordi il giusto valore.

Ed è così. suggerisce Giorgio Sangati, che lo spettatore più attento troverà ancora maggior godimento dalla visione de I due gentiluomini di Verona, scoprendo nelle varie scene, in nuce, tematiche e atmosfere che saranno trattate dal Grande Bardo nel prosieguo del suo magistrale progetto creativo.

Dunque ecco l’appuntamento:

 

Di: William Shakespeare

Versione italiana e regia di Giorgio Sangati
Scene di Alberto Nonnato

Luci di Cesare Agoni

Costumi di Gianluca Sbicca
Con: Fausto Cabra, Ivan Alovisio, Camilla Semino Favro, Antonietta Bello, Luciano Roman, Gabriele Falsetta, Paolo Giangrasso, Ivan Olivieri, Giovanni Battista Storti, Chiara Stoppa, Alessandro Mor, Diego Facciotti.

e con la partecipazione straordinaria di Charlie

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   GuittoMatto

 

Categorie: Teatro & Arte varia.

Streghe: mostri… oppure dottoresse?

Più o meno, la storia è sempre la stessa: ciò che non si conosce, al tempo stesso attira e respinge, da una parte incuriosisce, dall’altra… fa paura.

E la paura, com’è noto, molto spesso si rivela un pessimo consigliere.

Così, negli anni più oscuri di un’epoca oscura quanto fu il Medioevo, in un mondo tormentato da miseria, carestie, epidemie e guerre, dunque da ogni tipo di flagelli naturali e di origine umana, primo tra tutti quello, terribile, dell’ignoranza e della superstizione, la scelta più facile era lì, a portata di mano. In un sanguinoso delirio collettivo, gran parte dei mali fu caricata sulle streghe, creature eccentriche, solite vivere ai margini di città e villaggi e della cosiddetta “società civile”.

Del resto il nome stesso di strega, derivato con ogni probabilità da stryx, un uccello notturno cui veniva attribuita l’inquietante attitudine di nutrirsi succhiando il sangue dei bambini nella culla, come un vampiro, la dice lunga su ciò che le credenze popolari finirono con l’attribuire ben presto a questa figura femminile. 
In realtà, molte di queste donne a loro modo anti-sistema, coltivavano interesse per la natura, per le erbe ed altri rimedi, sostituendosi in moltissime occasioni, nella cura di uomini e animali, ai più costosi “dottori”: a esse ci si rivolgeva per curare febbri e altri malanni, per praticare aborti e per avere consigli sulla contraccezione.

Certo, per arrotondare le entrate, di tanto in tanto ci stava pure la preparazione di qualche filtro d’amore o la messa in scena di qualche oscura “fattura”, a base di sangue di pipistrello e code di lucertola… ma questa è tutt’altra storia. 

   LO SPETTACOLO

Al Santa Chiara Mina Mezzadri in  prima nazionale, fa parte del progetto pluriennale IdentitàBs, mirato alla riscoperta e alla valorizzazione del territorio attraverso il ricorso a talentuosi teatranti nati e/o formati in loco. 

L’ambito è bresciano. Per meglio dire, la vicenda (raccontata in qualità di autore e di regista da Marco Ghelardi) si svolge in Valle Camonica, sito -ahimé- tra i più attivi d’Italia nell’individuazione, escussione e combustione delle streghe, a cavallo del 1520.

Due donne le protagoniste: Angela e Biscia, lontanissime tra loro per censo, formazione culturale ed estrazione sociale, che s’incontrano per motivi “clinici”: la prima, cittadina senza problemi economici ma affetta da una malattia anomala quanto insidiosa, refrattaria ai rimedi proposti dalla medicina tradizionale del tempo, viene infatti affidata (spes ultima dea) alle cure della seconda che, per approfittare della situazione, s’improvvisa guaritrice.

Entrambe le donne, però e ahimé, sono però “troppo avanti” per i tempi, cosicché, inevitabilmente, il loro consorzio è destinato a interrompersi ben presto. Una, la più ricca, riuscirà comunque a trovare una via d’uscita, l’altra, invece…

Venendo allo spettacolo, anticipo subito che si è rivelato un ottimo biglietto da visita per la presentazione di questa nuova stagione targata C.T.B.

Se è vero che «chi canta prega due volte», come diceva Sant’Agostino, assistendo a Curamistrega si può tranquillamente affermare che  «chi canta recita moltissime volte».

Prima di tutto perché le voci ben intonate e ben accordate tra loro di Monica Ceccardi (Biscia) e Silvia Quarantini (Angela) introducono cantando la narrazione e ne sottolineano con grazia (con ampi meriti da riconoscere alle suggestive melodie e agli effetti sonori creati da Mimosa Campironi) i passi più significativi. In secondo luogo perché, con grande versatilità e con sorprendenti credibilità ed efficacia, le due attrici impersonano, oltre ai due principali, un gran numero di personaggi complementari.

Eccellente il gioco di squadra, il loro, con la partenza spumeggiante di Monica Ceccardi (deliziosa nei movimenti di Biscia, degni dei sornioni ammiccamenti del Jack Sparrow di Johnny Depp) e l’interpretazione di Silvia Quarantini che parte piano per consolidarsi ed esprimersi al meglio (come il motore di un diesel di lusso) con la prosecuzione dello spettacolo.

Pulita, ordinata e fantasiosa la regia di Marco Gherardi (anche autore del testo) ed essenziali, ma di perfetta resa scenica, le scene e i costumi di Domenico Franchi. Eccellente, come sempre, la gestione delle luci opera dell’esperto di casa Cesare Agoni, insieme a Sergio Martinelli.

Eccellente la soluzione scelta per il finale, anche se il messaggio di speranza che si vorrebbe far passare con l’ultima canzone fatica a dirottare il senso di una storia che, nella generalità degli spettatori, mi è sembrato lasciare invece un rintocco cupo e poco incline alla speranza.

«Per me no» si canta in una canzone, allegra e spensierata solo in superficie.

«Il mio maestro è il mondo» è il ritornello dell’altra.

Ma, con il mondo che ci circonda in questo difficile momento della storia che, probabilmente, nonostante il progresso delle scienze, si sta rivelando non meno violento di quello del ‘500, nelle faville del rogo finale si fatica a intravvedere riflessi di speranza.

Perché se le cose non cambieranno, e devono cambiare al più presto, di questo mondo resterà solo grigia e sottile cenere.

Così, almeno, è arrivato a me.

La realtà, ciò che conta davvero, però, è che, quando cala il sipario, meritatissimi, prolungati e convinti, scrosciano gli applausi di tutti gli spettatori del Santa Chiara Mina Mezzadri.

E la magia stregata del Teatro si perpetua.

 

TESTO E REGIA DI MARCO GHELARDI
MUSICHE ORIGINALI ED EFFETTI SONORI MIMOSA CAMPIRONI
SCENE E COSTUMI DOMENICO FRANCHI
LUCI CESARE AGONI E SERGIO MARTINELLI
CON MONICA CECCARDI E SILVIA QUARANTINI
PRODUZIONE CTB CENTRO TEATRALE BRESCIANO

 

 Brescia – Teatro  Santa Chiara Mina Mezzadri dal 22 al 24 settembre 2017 

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   GuittoMatto

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Quella famosa Napoli… che non ti aspetti

 «Napoli magica – Vispi morituri, morti viventi e morti di fame» è il titolo volutamente didascalico e paradossale della pièce che il professor Giulio Forbitti (per la ventesima volta, un vero record) ha scritto per il consueto spettacolo messo in scena (sotto la responsabilità della professoressa Elena Bonometti, affiancata nel lavoro di direzione di palcoscenico dalla collega Maria D’Abrosca) dagli alllievi ed ex-allievi dell’Istituto Primo Levi di Sarezzo, insieme ai ragazzi diversamente abili della cooperativa «L’Aquilone», per la regia di Guido Uberti

La trama:

Nella commedia, andata in scena venerdì e sabato sera sul palcoscenico del teatro San Faustino di Sarezzo, si narra del viaggio a Napoli,  in visita all’anziana nonna che, pur ancora lucida e autosufficiente, sente incombere l’arrivo della morte, di una famiglia ormai radicata al nord. Troveranno, oltre alla riscoperta di una donna in cui all’arguzia partenopea si miscela armonicamente una singolare sapientia vitae, un mondo sconosciuto, intessuto di arte, di storia, di leggende, superstizioni e autentiche magie.

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Lo spettacolo

Si comincia con il sipario tirato e, davanti, la professoressa Elena Bonometti e il drammaturgo Giulio Forbitti che introducono lo spettacolo al cospetto di una platea gremita di spettatori e (si vedrà poi) ben disposta all’applauso.

Poi si comincia e, subito, si capisce qunto siano giovani gli attori.

Qualcuno più giovane di quanto si sarebbe potuto immaginare.

L’argomento, però, è piuttosto complesso: sotto un leggerissimo ma gustoso velo di comicità tutta “acqua & sapone”, infatti, si palesa il tema dei temi: il rapporto dell’essere umano con una fine scritta sin dal momento della nascita, mannaia sterminatrice o preziosa cornice che, limitando il bel quadro della Vita, ne esalta vieppiù il valore.

La pièce è divertente e scorrevole, intarsiata anche di gradevoli momenti musicali e completata dalla accattivante coreografia finale.  Un brio complessivo che permette di sorvolare su alcuni passaggi (particolarmente quelli tesi a valorizzare i tesori artistici e i suggestivi misteri partenopei, in logica dipendenza delle finalità educative del progetto) che possono risultare alquanto didattici.

 

 

Bene la regia, attenta e capace di tenere in scena, senza confusione, un numero così alto di attori. 

Essenziale (anche e soprattutto per motivi di budget) ma efficace la scenografia.

Convinti gli applausi finali.

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  GuittoMatto

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Le relazioni… meravigliose del CTB

Voglio fare una confessione.

Dopo tanti anni trascorsi (con smodato piacere) a respirare polvere di palcoscenico, è ormai estremamente difficile che si crei in me un’aspettativa pari a quella che ha accompagnato l’avvicinarsi dell’esordio di «Le relazioni pericolose» ennesimo riadattamento del romanzo epistolare  (titolo originale «Les liaisons dangereuses») scritto da Pierre Ambroise François Choderlos del Laclos e pubblicato nel 1782.

Nel 1782, sì: appena sette anni prima che il deflagrare della Rivoluzione Francesce cominciasse a distruggere, con straordinaria violenza e rapidità inusitata per i mutamenti epocali, le basi di una vecchia era, per costruirne una del tutto nuova e diversa.

Per questo e per altro, che scoprirete proseguendo a leggere questo post, la recensione è di quelle “in forma solenne”, comprensiva cioè di notizie che vanno ben oltre il commento dello singolo spettacolo posto sotto osservazione.

    Il romanzo 

Trama

Narra le avventure di due libertini appartenenti alla nobiltà francese del diciottesimo secolo, ed è considerato uno dei capolavori della letteratura francese. Nell’insensata competizione a carattere seduttivo-sessuale che si instaura tra il giovane e irruento Danceny e il più esperto e amorale visconte di Valmont, una sola persona è capace di dominarne e condizonarne a sua volontà gli istinti: la Marchesa de Merteuil ricca vedova e cinica conoscitrice dell’animo umano e delle debolezze insite nei sentimenti, nonché abile manovratrice dei suoi amanti.

È un affresco post-barocco di una società  dissoluta e cinica, ma allo stesso tempo cieca rispetto al minaccioso mutare dei tempi. La cronaca sensuale di una corsa verso l’autodistruzione effettuata nel compiacimento di un Potere che si va dissolvendo e nel nome della ricerca dei più sfrenati piaceri assurta a valore pseudo morale.

    Il film 

Regia : Stephen Frears

Interpreti e personaggi:

È una di quelle pellicole belle, variopinte ed effimere…  come farfalle.

Uscì nelle sale cinematografiche nel 1988 (trentatre anni dopo il meno famoso e fortunato film di Roger Vadim del 1955) con la regia di uno come Stephen Frears, che ha firmato film come Rischiose Abitudini, Eroe per caso e The Queen). Grazie a un cast che definire stellare è probabilmente riduttivo, il successo fu clamoroso, al punto che il titolo si trasformò in breve tempo in una frase di uso corrente.

Vinta piuttosto agevolmente anche la competizione con Valmont di Miloš Forman (girato quasi contemporaneamente e uscito nelle sale nel 1989), anch’esso tratto dal medesimo romanzo, alla fine di una stagione di strepitoso successo lo slancio si esaurì, senza neppure essere in qualche modo rilanciato, negli anni immediatamente successivi, da una frequente programmazione televisiva. Fenomeno misterioso, ma non infrequente come potrebbe sembrare, nel mondo del cinema.

Ricordo, infine, che la trama del romanzo di Pierre Ambroise François Choderlos del Laclos è stata nuovamente ripreso nel 1999 con il film Cruel Intentions – Prima regola non innamorarsi diretto da Roger Kumble con Sarah Michelle Gellar e Ryan Phillippe.

  Lo spettacolo 

Ci sono attori che sono sempre e comunque una garanzia per gli spettatori che si recano ad assistere ai loro spettacoli. Un po’ come il marchio DOCG impresso su una bottiglia di buon vino, tanto per intenderci. Elena Bucci (fresca vincitrice di importanti riconoscimenti quali il Premio Eleonora Duse e il Premio Ubu) e Marco Sgrosso (cofondatore della Compagnia Le Belle Bandiere) sono certamente da annoverare tra questi, e quelle che il C.T.B. intrattiene con loro (iniziate con Macbeth nel 2005 e proseguite nelle successive stagioni con i fortunati allestimenti Hedda Gabler, L’amante, La Locandiera, Antigone ovvero una strategia del rito, Juana de la Cruz o le insidie della fede, Ella, Mythos, Tartufo, Svenimenti e La canzone di Giasone e Medea) sono davvero…  «Relazioni meravigliose».

 

 

(qui sopra quattro meravigliose istantanee di scena scattate dal fotografo Marco Caselli Nirmal)

La “prima accoglienza” riservata agli spettatori che gremiscono il Teatro Santa Chiara Mina Mezzadri per l’esordio de «Le relazioni pericolose» è una festa per gli occhi fatta di luci e colori: appena la sala piomba nel buio ecco che, come per incanto, ci si ritrova in un mondo alieno e antico al tempo stesso,  intriso delle tinte soffuse e morbide delle ciprie con cui, nel ‘700, si cospargevano abiti e parrucche.

È la gioia profana della corruzione morale, che trasuda dai primi scambi epistolari, diretta emanazione del delirio di onnipotenza di uno “stato” aristocratico che, per realizzarsi pienamente, ha bisogno di andare oltre ciò che consentono ceto, ricchezza e politica. E quando corrompere l’innocenza (della giovanissima Cecile de Volanges) si rivela troppo facile («il complotto è sproporzionato all’impresa» chiosa il visconte di Valmont»), viene il turno della più ghiotta delle prede: la stessa onestà (dell’incorruttibile Madame de Tourvel).

Sono bravi, anzi bravissimi, Elena Bucci – la perfida Marchesa Isabelle de Merteuile e Marco Sgrosso – l’inveterato seduttore Visconte di Valmont (responsabili anche della drammaturgia), felicemente affiancati da un poliedrico Gaetano Colella (tanti personaggi in uno), ma questo si sapeva già.

Particolarmente ispirati, questa sera, grazie anche al perfetto connubio scene/suono/luci/costumi, ma soprattutto…

… soprattutto riescono a colmare con grande agilità e senza alcun contraccolpo su pubblico, quel gap romanzo epistolario-palcoscenico  più largo di un’autostrada a otto corsie.

Riescono a rendere alla perfezione quel “vacuum vitae” che non è poi cambiato così tanto, dal ‘700 al terzo millennio.

Rendono, ingenerando un certo malessere in chi assiste allo spettacolo, quella tristezza di un iter operativo del Male ben delineato e  determinato, praticamente un protocollo, seguendo fedelmente (pur se ottusamente) il quale, prima o poi, si riesce a vincere ogni resistenza del Bene e di ciò che lo simboleggia e rappresenta.

A descrivere la farsa-tragedia di quell’arroganza becera quanto miope di una classe dirigente talmente impegnata a soddisfare le proprie brame, a ubriacarsi di ostentazione e sopraffazione del prossimo da non accorgersi che la fine sta arrivando.

Tutto sembra allegro, tutto sembra piacere, ma alla fine si rivela volgare e macabro come una qualsiasi  “cena elegante” da seconda repubblica.

Finisce in tragedia, com’è giusto che sia, con i protagonisti che si trovano costretti a fare i conti con la propria nullità, con il vuoto siderale di esistenze spese  senza ideali e senza scopo, nella più assoluta e cupa delle solitudini.

E la luce che scende davanti agli attori, inesorabile come la lama della ghigliottina, mentre parte la canzone gloriosa e letale della Marsigliese, è il prezzo di un’epoca che cambia, in modo violento e irreversibile.

 

 Al Teatro Santa Chiara Mina Mezzadri di Brescia dal 19/4 al 14/5/2017 

Mi sia consentito concludere dando la parola alla colta quanto disinibita e cinica Marchesa de Merteuil:

«L’amore che vantiamo come la causa dei nostri piaceri, non ne è in realtà che il pretesto »

Una frase stupenda e rivoluzionaria, per essere stata scritta nel 1782, non è vero?

 

 

   GuittoMatto

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Non solo Montalbano, se l’obiettivo è la metamorfosi

Camilleri che non ti aspetti.

Ne «Il casellante», andato in scena al Teatro Sociale di Brescia, di Montalbano non c’è nemmeno l’ombra, ma c’è molto, molto altro.

Parliamo intanto del libro: Il casellante è un romanzo di Andrea Camilleri pubblicato nel giugno  2008 da Sellerio. L’opera di mezzo tra Maruzza Musumeci e Il sonaglio, il tutto incluso nel libro-raccolta di cui si è inserita la copertina.

Narrazioni di surreali metamorfosi, nelle quali si riprende il mito greco, per calarlo nella realtà siciliana.

Il casellante, in particolare, è un’opera di grande valore, capace di cogliere e sollecitare nel lettore sia la corda comica che quella tragica ed emotiva. Scritta in vigatese, vale a dire in quella lingua artificiale creata dallo stesso Camilleri, con la quale l’autore siciliano cerca di operare una bizzarra ma efficace mediazione tra la lingua italiana e il siciliano, la storia tocca diersi argomenti di grande delicatezza e importanza, quali l’amore, la violenza esercitata contro la donna, un certo tipo di bullismo ante litteram, la negazione della maternità (etc.) risultando divertente e commovente.

E scusate se è poco.

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È da questo romanzo che prende le mosse lo spettacolo teatrale (in pieno accordo con lo stesso Camilleri) con l’adattamento scenico di Giuseppe Dipasquale, responsabile anche della regia e delle scene.

Al centro di tutto un casello ferroviario e un negozio da barbiere. Una vita che si dipana tranquilla, al limite della monotonia, o almeno così sembra. In realtà il Male è presente anche a Vigata e scorre sempe meno in profondità, fino ad affiorare come un liquame letale.

E, come sempre, saranno i più umili semplici e indifesi a pagare per tutti, e l’unica via di scampo, per alcuni di loro, sarà l’evasione nell’irrealtà della fantasia.

Soffermandomi il tempo strettamente necessario sulla magistrale performance di un incontenibile Moni Ovadia (interprete di sei personaggi della pièce) nel quadro di un lavoro collettivo di altissimi livello medio, ricordo tra tutti l’ispirato Mario Incudine nei panni del moralmente eroico casellante Ninuzzo e la straordinaria Valeria Contadino che impersona, perfetta in ogni sfumatura, la quotidianità, l’ottimismo solare e poi, la straniata disperazione di Minica, sua moglie.

Un affresco di un sud cristallizzato nel tempo e nello spazio, un mondo magmatico e ostile in cui i più deboli devono ricorrere a ogni risorsa per resitere alla tracotanza di diverse categorie di potere, sviluppando una furbizia popolare che, in qualche caso, riesce a garantire una sopravvivenza.

Uno spettacolo in cui non mancano spunti comici irresisitibili (la vendicativa serenata all’avversario appena tornato dal viaggio di nozze) ma che è sapentemente guidato sia dall’autore del testo che dall’accorto sceneggiatore, verso un finale di struggente e romantica disperazione.

In questo quadro, perfettamente congrui risultano i suggestivi inserti musicali che ben s’intarsiano nel tessuto drammaturgico, perfettamente eseguiti da attori che si rivelano anche ottimi cantanti e musicisti.

Da otto in pagella anche le fantasiose sceneggiature archeo-tecniche e gli accattivanti costumi di Elisa Savi.

di Andrea Camilleri e Giuseppe Dipasquale
regia Giuseppe Dipasquale
scene Giuseppe Dipasquale
costumi Elisa Savi
luci Gianni Grasso
musiche originali Mario Incudine con la collaborazione di Antonio Vasta
con Moni Ovadia, Valeria Contadino, Mario Incudine, Sergio Seminara, Giampaolo Romania
e con i musicisti Antonio Vasta, Antonio Putzu
la canzone “La capra avi li corna” è di Antonio Vasta
produzione Promo Music – Corvino Produzioni, Centro d’Arte Contemporanea Teatro Carcano, Comune di Caltanissetta

 

   GuittoMatto

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Donne e cose di un altro mondo al Santa Chiara

Questa sera, ala teatro santa Chiara – Mina Mezzadri, si comincia con l’omaggio tributato dal palcoscenico, prima che venga alzato il sipario, alla memoria di Renato Borsoni (attore, regista, scrittore, fondatore del CTB e autentico padre del teatro bresciano) deceduto due giorni orsono, i cui funerali sono stati celebrati proprio stamattina.

Per quanto riguarda lo spettacolo, invece …

… tutto (o quasi) comincia con “La sposa yemenita”, pubblicata anche in versione graphic novel per la sceneggiatura e le matite di Paola Cannatella (edizioni Beccogiallo).

Buio, sagome buie che scivolano nel buio, nero su nero.

Quattro donne, i cui movimenti sono quelli meccanici di carillon muti, costrette in grotteschi vestiti-imballaggi vitalizzati (si fa per dire) da matrioske, impegnate a esorcizzare una situazione compressa di coercizione attraverso, almeno inizialmente, un vuoto chiacchiericcio che parte dall’approssimarsi di una cerimonia di matrimonio, presumibilmente di un’appartenente alla middle class, una donna esemplare, pia al punto giusto, visto che, vestendo sempre un burka, nessuno, nemmeno le più intime amiche, ne conoscono il volto.

Sono brani di una lezione di balistica, a scandire i tempi di un clima di guerra che pesa sulla prossima festa come piombo fuso.

Si canta (canzoni occidentali dai versi trasgressivi e ammiccanti come quelli di “I kissed a girl“), si balla, si e si   le parle sono , è stato l’articolo che ad una prima lettura ha segnato l’esordio di querca di scherzare, ma le giovani donne che attendono l’arrivo della promessa sposa, insieme a un’ospite occidentale (presumibile proiezione dell’autrice del testo originario, la giornalista Laura Silvia Battaglia) una dopo l’altra, svelano i propri drammi.

C’è la giovane calciatrice, la cui passione sportiva viene vista con sospetto dalla comunità, con quello stesso ingiustificato e ingiustificabile sospetto di tendenze omosessuali così simile a quello indirizzato alle atlete occidentali di certe specialità sportive. Costretta, sua malgrado, a tirare colpi di kalasnikov, invece che calci di punizione e di rigore.

C’è la moglie di un uomo assassinato dal fuoco di un drone, perché, per fame, sulla porta di casa aveva accettato di inchiodare la nera bandiera del Califfato. «Ciò che piove dal cielo dovrebbe essere una benedizione» dice. «Invece sono lampi di morte».

Donne ricche e donne povere, tuca-tuca, musica ritmata, danza spensierata, mitra e palloncini colorati, lustrini, minigonne e tacchi alti che sbucano fuori dai vestiti ampi e coprenti, sirene di allarme antiaereo, fischi di bombe…

Ed è proprio lo scoppio mortale di un ordigno a fermare tutto, a far calare il buio, a interrompere quella che si rivela essere solo l’illusione di una speranza.

Donne che si uniscono tra loro, uomini che s’impegnano a distruggere tutto, sotto gli occhi di una cronista smarrita, incredula, spossata dalla constatazione che raccontare non serve a mutare il corso delle cose.

Non subito, almeno.

Ma domani… chissà?

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La regia si confronta coraggiosamente con una atipica non-storia, riuscendo ad arrivare fino in fondo con mirata confusione e apprezzabile risultato complessivo.

Le attrici danno tutto ciò che hanno, non risparmiandosi per tutta la durata della pièce e restando ampiamente sopra la sufficienza in ciscuna delle modalità artistico-espressive richieste dalla rappresentazione di un testo di traduzione teatrale non semplicissima: recitano, giocano, cantano e ballano con notevole spirito di squadra.

Il pubblico, di cui si nota la verde età media, apprezza, non lesinando consensi a fine spettacolo.

E, negli spettatori, come probabilmente nelle intenzioni dei commedianti, qualche urticante interrogativo s’impianta in profondità. 

Spose dell’altro mondo

(ispirato agli articoli della giornalista Laura Silvia Battaglia)

Produzione CTB Centro Teatrale Bresciano

collaborazione artistica Teatro 19

da un’idea di Annalisa Riva

drammaturgia Roberta Moneta

regia Valeria Battaini

con (in ordine alfabetico) Valeria Battaini, Francesca Mainetti, Roberta Moneta, Annalisa Riva

voci fuori campo Claudia Franceschetti, Alessandro Quattro

luci Sergio Martinelli

suono Carlo Dall’Asta

oggetti di Scena Davide Sforzini

realizzazione costumi Bottega del Cencio

si ringrazia per la collaborazione Elia Mouatamid

 

   GuittoMatto

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